Descubra lo que hace especial al arte de la escultura. Explore la evolución de la escultura a través de las obras de escultores famosos a lo largo de la historia, y aprenda sobre las técnicas, materiales, tipos, usos, definición y toda la información sobre la escultura. Entonces ponte a prueba con tus nuevos conocimientos.
¿Qué es la Escultura?
La escultura, la forma de arte más duradera y, posiblemente, la más grande conocida por el hombre, ha desempeñado un papel fundamental en la evolución de la cultura occidental.
Su historia y desarrollo estilístico son los del propio arte occidental. Es un indicador clave de los logros culturales de la Antigüedad Clásica, y se convirtió en una importante influencia en el desarrollo del Arte Renacentista en Italia. Junto con la arquitectura, fue la principal forma de arte religioso monumental que durante siglos (400-1800) fue el motor de la civilización europea. Incluso hoy, aunque en continua evolución, la escultura sigue siendo el método principal para expresar y conmemorar tanto a personajes y acontecimientos históricos.
A lo largo de su historia, ha atraído a algunos de los más grandes artistas del mundo, entre ellos escultores clásicos como Fidias, Mirón de Eléuteras, Policleto, Escopas, Lisipo, Praxíteles y Leocares, así como Donatello (1386-1466), Miguel Ángel (1475-1654), Giambologna (1529-1608), el gran Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) y Damien Hirst (n. 1965).
En muchos de los mejores museos de arte se pueden encontrar ejemplos supremos de esta forma de arte público de larga tradición.
También conocida como «arte plástico», por el proceso de modelado o «plasticidad» que implica, la escultura debería ser bastante sencilla de definir, pero lamentablemente no lo es.
Forma de Arte en Constante Expansión
Esto se debe a que la definición o el significado de la escultura se ha ampliado mucho durante el siglo XX. Con el desarrollo de nuevas herramientas y tecnologías escultóricas, las obras contemporáneas emplean ahora una variedad tan enorme de nuevos materiales, técnicas y esquemas espaciales de referencia, que la «escultura» ya no es un término fijo que se refiere a una categoría fija de objetos o actividades creativas, sino más bien una forma de arte en constante expansión que evoluciona y se redefine a sí misma.
Definición de Escultura Tradicional
La escultura tradicional anterior al siglo XX tenía cuatro características principales que la definían.
Como primer lugar, era la única forma de arte tridimensional. En segundo lugar, era representativa. En tercer lugar, se consideraba un arte de forma sólida. Los espacios vacíos eran esencialmente secundarios a su volumen o masa. Además, como forma sólida no tenía movimiento. En cuarto lugar, los escultores tradicionales sólo utilizaban dos técnicas principales: la talla o el modelado. Es decir, tallaban directamente el material elegido (por ejemplo, piedra o madera), o construían la escultura desde dentro, por así decirlo, utilizando arcilla, yeso, cera y similares. Los modelos de la escultura tradicional proceden de la Escultura griega y Romana de la Antigüedad Clásica.
Definición de Escultura Moderna y Contemporánea
La escultura artística ya no se limita a los conceptos escultóricos tradicionales, los materiales o los métodos de producción. Ya no es exclusivamente representativa, sino que con frecuencia es totalmente abstracta. Tampoco es puramente sólida y estática: puede hacer referencia al espacio vacío de forma importante, y también puede ser cinética y capaz de moverse. Por último, además de tallarse o modelarse, puede ensamblarse, pegarse, proyectarse (holográficamente) o construirse de una amplia variedad de formas. En consecuencia, el significado y la definición tradicionales de la escultura ya no son aplicables.
Las Formas Básicas de la Escultura ya son Obsoletas
Anteriormente, la historia del arte sólo comprendía dos formas escultóricas básicas: la escultura en bulto (también llamada escultura exenta) y los relieves (que incluyen el bajorrelieve, el altorrelieve y el huecorrelieve). Hoy en día, las nuevas formas de escultura relacionadas con la luz (por ejemplo, los hologramas) y la escultura móvil exigen una redefinición de las formas posibles.
Definición y Significado de la Escultura en la Actualidad
La enorme diversidad de las artes plásticas del siglo XXI nos ha dejado una sola característica definitoria: la tridimensionalidad. Así, la definición actual de escultura es algo así:
La escultura es la única rama de las artes visuales que se ocupa específicamente de la forma expresiva en tres dimensiones.
Historia de la Escultura
El arte tridimensional comienza con la Escultura Prehistórica. Las primeras obras conocidas de la Edad de Piedra son La Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-Tan, ambas efigies primitivas que datan de 230.000 años a.C. o antes. A partir de entonces, los escultores han estado activos en todas las civilizaciones antiguas y en todos los grandes movimientos artísticos hasta el presente.
Después de la Escultura Egipcia, las principales Edades de Oro en la evolución de la escultura han sido:
- La Antigüedad Clásica (500-27 a.C.)
- La Era Gótica (1150-1300 d.C.)
- El Renacimiento Italiano (1400-1600 d.C.)
- La Escultura Barroca (1600-1700 d.C.)
Para una cronología detallada de los orígenes y el desarrollo del arte en tres dimensiones, consulte: Historia de la Escultura.
Características de la Escultura
Los materiales utilizados en la escultura pueden ir desde la arcilla hasta la piedra, pasando por la madera, el mármol, la cera, el yeso y varios tipos de metal. Cada vez se incorporan más tipos de técnicas a esta forma de arte a medida que se desarrollan nuevos materiales, como diferentes tipos de resinas o plásticos que permiten a la escultura ampliar sus horizontes artísticos.
La escultura se ha utilizado para crear obras de arte originales y fascinantes y también para recrear y representar figuras, personajes, objetos, personas y animales. Estas figuras pueden ser una representación totalmente realista o pueden ser totalmente abstractas, representando la visión del artista sobre un aspecto concreto.
Uno de los aspectos clave de la escultura es cómo el artista utiliza y controla el espacio y sus formas. Por ello, es fundamental que el artista tenga en cuenta detalles como la altura, la profundidad, el volumen y las formas a la hora de diseñar su obra de arte.
Función y Usos de la Escultura
En un principio, las esculturas estaban destinadas a fines religiosos, ya que se utilizaban para rituales mágicos, ritos funerarios o prácticas ceremoniales. Más tarde, además de su uso religioso, también empezaron a tener una finalidad política: se utilizaban para expresar el poder de los monarcas y ayudaban a conservar la historia de la sociedad.
Por último, la escultura también comenzó a utilizarse con fines puramente estéticos, que es su propósito más común en la actualidad. Así, los artistas intentan plasmar la belleza o determinados aspectos artísticos mediante el uso de volúmenes y formas, o crear objetos con fines decorativos.
Elementos de la Escultura
Los dos elementos principales de la escultura son la masa y el espacio. La masa se refiere al volumen de la escultura, el fragmento sólido contenido en sus superficies. El espacio es el aire que rodea a la escultura sólida, y reacciona con ésta de varias maneras:
- En primer lugar, define los bordes de la escultura.
- En segundo lugar, puede estar encerrado por una parte de la escultura, formando huecos o áreas de vacío.
- Y en tercer lugar, puede unir partes separadas de la escultura que se relacionan así a través del espacio.
Las obras de escultura pueden evaluarse y diferenciarse en función del tratamiento de estos dos elementos. Por ejemplo, algunos escultores se centran en los componentes sólidos de su escultura, mientras que otros se preocupan más por cómo se relaciona con el espacio en el que se asienta (por ejemplo, cómo se «mueve» por el espacio o cómo lo encierra). Compare la escultura egipcia con las obras de Alexander Calder (1898-1976) y Naum Gabo (1890-1977) y verá a qué me refiero.
Otro elemento importante de (la mayoría de) las esculturas son sus superficies. Éstas pueden producir efectos visuales muy diferentes según sean (por ejemplo) convexas o cóncavas, planas o modeladas, coloreadas o sin colorear. Por ejemplo, las superficies convexas expresan satisfacción, saciedad, presión interna y «plenitud» general, mientras que las cóncavas sugieren presión externa, insustancialidad interna y posible colapso. Por otra parte, una superficie plana no sugiere tridimensionalidad, mientras que una superficie modelada -que contiene crestas o huecos que atraen la luz/sombra- puede transmitir fuertes efectos de formas tridimensionales que emergen de la oscuridad o se retiran a ella, de forma similar al uso que hace un pintor del claroscuro.
Principios del Diseño Escultórico
Estos regulan el enfoque de los escultores a cuestiones como la orientación, la proporción, la escala, la articulación y el equilibrio.
Orientación
Para crear un sentido de armonía (o desarmonía) en la escultura misma, o entre partes de ella, o entre la escultura y el espectador, o entre la escultura y su entorno, el escultor generalmente trabaja según un plan espacial particular o esquema de referencia. Tal plan, a menudo basado en un sistema de ejes y planos, es esencial para mantener la proporción lineal entre otras cosas.
Así, por ejemplo, las poses de figuras humanas se calculan y crean típicamente con referencia a los cuatro planos cardinales, es decir:
- El principio de axialidad (por ejemplo, movimiento anatómico)
- El principio de frontalidad (predominante en los kuros, figuras de pie de la escultura griega arcaica)
- Contrapposto: La postura dinámica en la que una parte del cuerpo se tuerce o se aleja de otra parte, ejemplificada en las obras de Miguel Ángel (1475-1564) y Giambologna (1529-1608)
- La postura quiástica (la postura en la que el peso del cuerpo se basa principalmente en una pierna, una característica típica de la escultura figurativa griega del período Clásico Superior).
Proporción
Cómo los escultores manejan la proporcionalidad estas varían considerablemente. Algunos (por ejemplo, los escultores egipcios) observaron cánones jerárquicos no proporcionales de la naturaleza (por ejemplo, dioses más grandes, faraones más grandes, ciudadanos más pequeños, etc.).
Otros escultores han seguido reglas de proporción más naturalistas pero igualmente iconométricas. En comparación, muchas culturas tribales emplean sistemas que, por razones religiosas o culturales, otorgan un mayor tamaño a ciertas partes del cuerpo (por ejemplo, la cabeza).
Además, la ubicación específica de una escultura puede requerir un enfoque especial a la proporcionalidad. Por ejemplo, una estatua humana montada en la parte superior de una estructura alta puede requerir una parte superior del cuerpo más grande para equilibrar los efectos del acortamiento cuando se ve desde el nivel del suelo. (El gran pintor rococó Tiepolo fue un maestro para contrarrestar este efecto al crear sus frescos en el techo).
Escala
Esto se refiere, por ejemplo, a la necesidad de crear una escultura en sintonía con la escala de su entorno. Camine alrededor de cualquier catedral gótica importante y observe la gran variedad en la escala de las esculturas que decoran las puertas, fachadas y otras superficies.
Además, ciertos grupos de figuras, que ilustran escenas bíblicas, pueden contener varias escalas diferentes: la Virgen María y Jesús pueden ser de un tamaño similar, mientras que (por ejemplo) los Apóstoles pueden ser más pequeños.
Articulación
Esto describe cómo se unen las figuras escultóricas (y otras formas): cómo las partes diferentes de un cuerpo se fusionan en una sola forma, o cómo se unen las secciones separadas.
El escultor realista francés Auguste Rodin (1840-1917) creó una continuidad de estilo impresionista en sus figuras, en contraste con los primeros escultores clásicos griegos (por ejemplo, Policleto) y los escultores del Renacimiento que prefirieron distintas unidades de forma delineada.
Equilibrio
En la escultura figurativa independiente, el equilibrio involucra dos asuntos principales. En primer lugar, el cuerpo escultórico debe ser físicamente estable, lo suficientemente fácil de lograr en una figura que se arrastra o reclina, menos fácil en una estatua de pie, especialmente si se inclina hacia adelante o hacia atrás.
Si es inestable naturalmente, se debe usar una base. En segundo lugar, desde un punto de vista compositivo, la estatua debe proyectar una sensación de equilibrio dinámico o estático. Sin tal armonía, la belleza es casi imposible de lograr.
La Mejor Manera de Entender la Escultura
La mejor manera de entender la escultura es ver todo lo que se pueda, idealmente en carne y hueso. Si es posible, visite el museo de arte público más cercano y eche un vistazo a algunos ejemplares de escultura griega o renacentista. De este modo, podrá hacerse una idea de las obras de estilo tradicional.
Además, si es posible, visite cualquier exposición que incluya obras de escultores abstractos como:
- Umberto Boccioni (1882-1916)
- Jean Arp (1886-1966)
- Naum Gabo (1890-1977)
- Alexander Calder (1898-1976)
- Alberto Giacometti (1901-1966)
- Barbara Hepworth (1903-1975)
- Louise Bourgeois (1911-2010)
- Sol LeWitt (1928-2007)
- Richard Serra (1939)
Las obras de escultura abstracta de cualquiera de estos artistas modernos le darán mucho que pensar.
La Escultura Como Bella Arte
La presencia física viva de una escultura la convierte en una forma ideal de bella arte: ejemplos supremos en la cultura occidental son los megalitos monumentales de Stonehenge, las esculturas clásicas del Partenón en Atenas, las altas cruces celtas de Irlanda y las estatuas y relieves góticos de los siglos XII/XIII en las catedrales del norte de Francia y Alemania.
La talla religiosa en madera fue llevada a nuevas alturas durante el Renacimiento Septentrional por maestros talladores como: Tilman Riemenschneider y Veit Stoss, conocidos por sus intrincados trabajos de altar de madera y estatuillas, mientras que la Contrarreforma barroca estimuló ejemplos supremos de arte cristiano católico en forma de esculturas de bronce y mármol de (entre otros) Gianlorenzo Bernini (1598-1680), conocido por la serie Cornaro Chapel (1645-52) que incluye El Éxtasis de Santa Teresa.
El arte público secular moderno presenta esculturas famosas como la Estatua de la Libertad, el Chicago Picasso, una serie de figuras de metal producidas para el Centro Cívico de Chicago y la escultura arquitectónica La Aguja de Dublin, conocida como la «punta», creada por Ian Ritchie (en 1947). La escultura pública contemporánea continúa desafiando los conceptos tradicionales del arte 3-D a través de sus nuevos conceptos espaciales y su uso de materiales cotidianos ensamblados o creados en numerosos tipos de instalación y formas fijas de escultura.
Escultura Moderna vs Postmoderna
Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido reemplazado por el arte contemporáneo o posmodernismo. A diferencia de los modernistas anteriores, los escultores posmodernistas de hoy en día (por ejemplo, artistas pop como Claes Oldenburg, Robert Indiana y el artista Neo-Pop Jeff Koons), pueden usar una amplia variedad de materiales, imágenes y métodos de exhibición. Los estilos tienden a ser más localizados, ya que la tendencia actual entre los movimientos de arte contemporáneo es desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo de los movimientos de arte moderno de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
Si busca en Google esta pregunta, las respuestas son muchas y variadas … Auguste Rodin dijo: «La escultura es el arte del agujero y el bulto»; Picasso declaró: «La escultura es el arte de la inteligencia»; Tom Stoppard observó: «Si se cuelga en una pared, es una pintura, y si puedes caminar alrededor, es una escultura»; y Damien Hirst nos aconseja que la escultura es «lógica y científica, y te hace preocuparte por la gravedad».