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Giambologna

Giambologna

Fuertemente influenciado por la escultura renacentista italiana, así como por el estilo manierista del siglo XVI, el artista flamenco Giambologna fue uno de los mayores escultores del cinquecento, y durante dos siglos después de su muerte, su reputación quedó muy por debajo de la de Miguel Ángel. Su influencia en la escultura europea fue inmensa. Su escultura de mármol El Rapto de las Sabinas  (1581) seguramente se encuentra entre las mejores esculturas de todos los tiempos. Contrasta con la estatua anterior de David de Miguel Ángel (Galería de la Academia, Florencia) del mismo modo que el retorcido grupo helenístico Laocoonte y sus hijos (150-40 a.C.) contrasta con la serenidad de la estatua clásica alta de Policletos Doríforo (440). Sigue siendo uno de los grandes escultores en la historia del arte.

Formación temprana, Viaje de estudio a Roma

Giovanni Bologna (o Giambologna) nació en Douai, Flandes, como Jean Boulogne. Desde los 14 años se formó en el taller del escultor flamenco italiano, Jacques Du Broeucq (1505 – 1584), donde dominó las técnicas de modelado y tallado, y absorbió el estilo clásico que Dubroeucq había desarrollado después de estudiar escultura griega en Roma.

El propio Giambologna hizo un viaje de estudios a Roma alrededor de los 21 años e hizo modelos de escultura grecorromana y renacentista. Cuando conoció al anciano Michelangelo, este último criticó una de las obras de Giambologna por mostrar un acabado demasiado alto, antes de que la pose básica se hubiera establecido por completo. Esta fue una falla característica de la escultura renacentista del norte en su conjunto. El joven escultor nunca olvidó esta lección y se convirtió en un creador convencido de modelos de bocetos en cera o arcilla mientras preparaba sus esculturas. Varios de estos modelos han sobrevivido, estos se encuentran en el Museo de Victoria y Alberto, en Londres. Durante su estancia en la capital italiana, Giambologna quedó impresionado sobre todo por la habilidad técnica y anatómica de los escultores helenísticos.

Se instala en Florencia

De camino a su hogar en Flandes, Giambologna visitó Florencia para estudiar el arte renacentista de los grandes escultores florentinos Donatello y Miguel Ángel. Mientras estuvo allí, Bernado Vecchietti, un rico mecenas de las artes, le ofreció alojamiento y apoyo financiero, y le presentó a Francesco De’ Medici, hijo de Giovanni delle Bande Nere de’ Medici, el gobernante de la ciudad y vástago de la famosa dinastía florentina de Medici, que había financiado en gran parte el Renacimiento en Florencia. Tales contactos persuadieron a Giambologna para establecerse en Florencia, y hacia 1560 competía por una comisión para producir una estatua de Neptuno para la fuente en la Plaza de la Señoría.

Escultor de la corte de Medici

Dio la casualidad de que perdió contra el escultor manierista toscano Bartolomeo Ammanati (1511 – 1592), pero su modelo de arcilla a gran escala le ganó varios admiradores, y se unió a la nómina de Francesco De’ Medici, que se convirtió en su principal mecenas. Durante este tiempo creó numerosas obras tridimensionales para espectáculos públicos, bronces y mármoles para jardines mediceos, y exploró el medio de la pequeña estatuilla de bronce, una forma que se haría popular entre los coleccionistas de toda Europa.

Inspirándose en la obra anterior de Miguel Ángel y sus seguidores, como Tribolo y Pierino da Vinci (1520 – 1554), Giambologna desarrolló un estilo de composición de figuras utilizando una postura contrapuesta que exageraba mucho más allá de la norma clásica, con un eje serpenteante y una llamarada contorneante. Esto inspiró una nueva vida en la escultura florentina, que se había tornado un tanto forzada y académica a mediados del siglo XVI, en manos del neurótico Baccio Bandinelli (1493 – 1560) y su archirrival y crítico Benvenuto Cellini (1500 – 1571).

Así, en 1561-1562, completó su primera obra importante para Francesco De’ Medici, un grupo de mármol que representa a Sansón matando a un filisteo (1561-1562, Museo de Victoria y Alberto, Londres), como pieza central de una gran fuente. Tanto el sujeto como el tratamiento recuerdan un proyecto de Miguel Ángel de la década de 1520, que solo se conoce de una serie de modelos en bronce de un modelo de cera original perdido.

Esculturas más importantes de Giambologna

Fuente de Neptuno

Al año siguiente, en 1563, el Papa Pío IV otorgó a Giambologna una importante comisión por una escultura de bronce para decorar una Fuente de Neptuno en Bolonia (1563-1566). La fuente es de diseño piramidal, con una serie de figuras subsidiarias vivas y sensuales. Éstos conducen la mirada hacia el poderoso Neptuno, que tiene una pose enérgica en espiral, detenida momentáneamente por el gesto del brazo y el giro brusco de la cabeza. Los motivos helenísticos y de Miguel Ángel se combinan en una composición brillante y original.

Fuente de Neptuno de Giambologna

Mercurio

Posiblemente durante su estancia en Bolonia, Giambologna produjo la primera de varias versiones de una figura “voladora” de Mercurio. Esta se convertiría en su composición más famosa: una estatuilla con la iniciales “I.B.” (El Museo de Historia del Arte de Viena) fue enviado como un regalo diplomático de los Medici al Sacro Emperador Romano en 1565; una versión de bronce más grande en el Museo Nazionale, Florencia fue elegida más tarde. La postura vigorosa pero bellamente equilibrada se debe mucho a los bronces anteriores, como Niño alado con Delfín de Andrea del Verrocchio, y Mercurio de Rustici, ambos pertenecientes a las colecciones Medici. El sujeto puede haber sido inspirado por la estatuilla de Mercurio en la base del Perseo de Cellini con la cabeza de Medusa (1554).

Escultura de Mercurio de Giambologna

Florencia triunfa sobre Pisa

En el regreso de Giambologna a Florencia, Francesco De’Medici le dio otra comisión importante: una importante escultura en mármol, no tan sutilmente titulada Florencia triunfa sobre Pisa (completada en 1575, Bargello, Florencia). Esta alegoría política fue pensada como un colgante de la Victoria de Miguel Ángel, que había sido liberado del estudio después de la muerte del Maestro en 1564.

El joven Giambologna se vio obligado a buscar la forma de unir a dos figuras en un grupo de acción satisfactorio. El problema había sido planteado por primera vez por Miguel Ángel en sus diseños para La tumba del Papa Julio II, y posteriormente fue tratado por la mayoría de los escultores en Florencia durante el siglo XVI. Giambologna lo resolvió con la ayuda de modelos preliminares en cera y yeso; la composición final es una amalgama de curvas en espiral y líneas en zigzag, trabajando dentro de un volumen cónico.

El Rapto de las Sabinas

La tercera gran obra de Giambologna fue El Rapto de las Sabinas (1579 – 1582, Plaza de la Señoría, Florencia). Una de las esculturas más grandes de la historia, representó el clímax de su carrera como escultor de figuras, uniendo tres figuras en una sola composición en espiral. Esta era una idea que había obsesionado a Miguel Ángel sin que él se hubiera dado cuenta de ello. Los primeros pensamientos de Giambologna están encarnados en un grupo de bronce con un hombre de pie y una mujer criada en sus brazos, que él produjo en 1579 para Octavio Farnesio. El trabajo, escribió a su patrón, fue creado en respuesta al problema escultórico en sí (la búsqueda de unir 3 figuras en una sola escultura), más que como una composición narrativa particular; y de hecho, posteriormente se vio obligado a identificar el episodio particular que se muestra en la versión de mármol a gran escala mediante la adición de un relieve de bronce mas abajo, que muestra a los romanos y Sabines peleando por las mujeres sabinas.

rapto de las sabinas de Giambologna

El desarrollo de un grupo de dos, a uno con tres figuras, se traza en modelos preliminares de cera (Museo de Victoria Alberto, Londres). Las tres figuras están vinculadas psicológicamente, por las direcciones de sus miradas, así como formalmente, por la disposición de sus miembros y cuerpos. La composición en espiral significa que el grupo no puede ser completamente comprendido desde un solo punto de vista. En términos técnicos, esta escultura es una obra maestra de virtuosismo, llevando hasta los límites más lejanos la técnica de socavación que Giambologna había observado en la escultura helénica griega y que distingue su trabajo tan claramente a la de Miguel Ángel.

Estatua de Appennino

Fue durante este período que Giambologna también creó su obra más grande: la figura de 33 pies de altura del dios de la montaña Appennino (1577-1581), situada en los jardines de la villa Medici en Pratolino. Hecho de ladrillo y piedra, el dios se agacha sobre un estanque y parece haber surgido de la tierra.

Estatua de Appennino de Giambologna

Cosimo I a caballo

En la escultura momentánea, su otro gran logro fue la estatua ecuestre en bronce de Cosimo I (Cosimo I a caballo, 1587 – 1595, Plaza de la Señoría, Florencia). Esta fue la primera estatua ecuestre en Florencia, y fue el fruto de varios estudios que Giambologna había realizado durante el transcurso de su carrera, para representar a un caballo y jinete que brincaba. El diseño fue rápidamente copiado a través de las Cortes Reales de Europa, donde se convirtió en un símbolo arquetípico de la autoridad monárquica.

Cosimo I a caballo - Giambologna

Estatuillas de bronce

Hay pocos puntos de referencia en la enorme producción de estatuillas de bronce de Giambologna: la mayoría eran originales, composiciones pequeñas en lugar de reducciones de estatuillas a gran escala. Además del Mercurio de 1565 mencionado anteriormente, la alegoría femenina de bronce dorado de la astronomía (Museo de Historia del Arte de Viena), también firmada, es probablemente una obra maestra temprana. La composición cerrada del eje espiral dada a la figura es bastante típica de Giambologna, apareciendo, por ejemplo, en la estatuilla más grande de Apolo que contribuyó al Studiolo de Francesco De’Medici (Palazzo Vecchio, Florencia). Además de la figura humana, su repertorio incluía animales, particularmente caballos, toros y grupos que mostraban animales atacados por leones.

También esculpió bronces de pájaros de tamaño natural, que se utilizaron para decorar grutas y fuentes en los jardines de Boboli de Florencia y Pratolino, y las puertas de bronce de la catedral de Pisa (por ejemplo, Turquía, Búho y Pavo real en el Museo Nazionale, Florencia). Para sus esculturas de pájaros, inventó una representación “impresionista” en cera que fue fielmente traducida por una destreza de fundición en las versiones finales de bronce. Sus animales señalaron el camino para la Escuela Francesa de Animales del siglo XIX.

Taller

El taller florentino de Giambologna estuvo a cargo de varios asistentes dedicados y alumnos, notablemente Pietro Tacca (1577 – 1640) (que sucedió a su maestro como escultor de la corte de los Medici) y Pietro Francavilla (1548 – 1615).

Legado

Giambologna ejerció una gran influencia durante toda su vida y en estilos posteriores, especialmente la escultura barroca, durante algunos años después, tanto en Italia como en el norte. Sus estatutos hicieron regalos atractivos y se distribuyeron rápidamente a través de los Tribunales y Estudios de Europa, diseminando un entusiasmo por su estilo elegante más allá de Italia: se reprodujeron continuamente hasta casi el siglo XX. Más tarde sus alumnos, a menudo flamencos o alemanes, tuvieron la demanda de servir en estas mismas cortes, reforzando así sus métodos de firma, aunque con variaciones personales en su estilo básico (por ejemplo, los escultores Adrian De Vries, Hubert Gerhard, Pierre Puget, y Hans Reichle).

Giambologna ocupa una posición crucial en la historia de la escultura entre las figuras más conocidas de Miguel Ángel y Bernini (1598 – 1680): su estilo enérgico allanó el camino para el arte barroco en Roma.