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Las Esculturas más famosas de TODA la historia hasta la actualidad

Descubra lo que hace que el arte de la escultura sea especial. Explore la evolución de las esculturas a través de las obras de escultores famosos a lo largo de la historia, y aprenda sobre la escultura griega, romana, egipcia y barroca. Luego pon a prueba tus nuevos conocimientos.

En este ranking vamos a conocer cuales son las esculturas más famosas del mundo.

doriforo de policleto donde esta

Doríforo

Canaco

¿Qué es Escultura?

Las esculturas de arte ha jugado un papel importante en la evolución de la cultura occidental. Su historia y desarrollo estilístico provienen en sí del arte occidental. Es un indicador clave de los logros culturales de la Antigüedad clásica, y se convirtió en una influencia importante en el desarrollo del arte del Renacimiento en Italia. Junto con la arquitectura, fue la principal forma de arte religioso monumental que durante siglos (400-1800 d.c) fue la fuerza impulsora de la civilización europea. Incluso hoy, aunque en constante evolución, la escultura sigue siendo el método principal para expresar y conmemorar tanto las figuras históricas como los acontecimientos.

escultura definición

Durante su historia, ha atraído a algunos de los artistas más importantes del mundo, incluidos escultores clásicos como Fidias, Myron de Eleutherae, Polyklitos, Skopas, Lisippos, Praxiteles y Leochares, así como a Donatello (1386-1466), Miguel Ángel (1475-1654) , Giambologna (1529-1608), el gran Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) y Damien Hirst (1965).

Algunas de las esculturas más importantes las puedes encontrar en muchos de los mejores museos de arte. 

El arte siempre esta en expansión

Esto se debe a que la definición o el significado de la escultura se ha ampliado mucho durante el siglo XX. Con el desarrollo de nuevas herramientas y tecnologías escultóricas, las obras contemporáneas emplean una gran variedad de nuevos materiales, técnicas y esquemas espaciales de referencia, El concepto de escultura ya no es un término fijo que se refiere a una categoría fija de objetos o actividades creativas , sino más bien una forma de arte en constante expansión que evoluciona constantemente y se redefine a sí misma.

Definición de Escultura Tradicional

La escultura tradicional anterior al siglo 20 tenía cuatro características definitorias principales. Primero, era la única forma de arte tridimensional. Segundo, fue representacional. En tercer lugar, fue visto como un arte de forma sólida. Cualquier espacio vacío involucrado era esencialmente secundario a su volumen o masa. Además, como una forma sólida, no tenía movimiento. En cuarto lugar, los escultores tradicionales utilizaron solo dos técnicas principales: tallado o modelado. Es decir, o tallaron directamente de su material elegido (por ejemplo, piedra, madera), o construyeron la escultura desde el interior, por así decirlo, con arcilla, yeso, cera y similares. Los modelos para la escultura tradicional derivan de la escultura griega y romana de la antigüedad clásica.

Definición de Escultura Moderna y Contemporánea

El arte de la escultura ya no está restringido por conceptos escultóricos tradicionales, materiales o métodos de producción. Ya no es exclusivamente representativo, sino que a menudo es totalmente abstracto. Tampoco es puramente sólido y estático: puede hacer referencia al espacio vacío de una manera importante, y también puede ser cinético y capaz de moverse. Finalmente, además de ser tallado o modelado, puede ser ensamblado, pegado, proyectado (holográficamente) o construido en una amplia variedad de formas. Como resultado, el significado de escultura tradicional de los cuatro puntos mencionados anteriormente ya no se aplican.

esculturas modernas

Formas básicas de escultura ahora desactualizadas

Anteriormente, la historia del arte solo comprendía dos formas escultóricas básicas: la escultura en redondo (también llamada escultura independiente) y los relieves (incluidos el bajorrelieve, el altorrelieve y el relieve hundido). Hoy en día, las nuevas formas de escultura relacionadas con la luz (por ejemplo, hologramas) y la escultura móvil requieren una redefinición de las formas posibles.

Definición y significado de la escultura de hoy

La gran diversidad del arte plástico del siglo XXI nos ha dejado una sola característica definitoria: la tridimensionalidad. Por lo tanto, la definición actual de escultura es:

“La escultura es la única rama de las artes visuales que se ocupa específicamente de la forma expresiva tridimensional, que puede comunicar ideas abstractas y evocar ciertas emociones”.

Historia de la escultura

El arte tridimensional comienza con la escultura de la prehistoria. Las primeras obras conocidas en la Edad de Piedra son La Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-Tan, ambas efigies primitivas que datan de 230,000 años antes de Cristo. A partir de entonces, los escultores han estado activos en todas las civilizaciones antiguas y en todos los principales movimientos artísticos hasta el presente. Después de la Escultura Egipcia, las principales Edades de Oro en la evolución de la escultura han sido: (1) Antigüedad clásica (500-27 a.C); (2) La Era Gótica (1150-1300 d.C); (3) El Renacimiento italiano (1400-1600 d.C); y (4) Escultura Barroca (1600-1700 d.C). Para una cronología detallada de los orígenes y el desarrollo del arte tridimensional , ver: Historia de la escultura.

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La teoría de la escultura

Debido a su naturaleza tridimensional y al hecho de que puede mostrarse en muchos más tipos de ubicación que (por ejemplo) pintura, hay una serie de conceptos importantes y cuestiones teóricas que rigen el diseño y la producción de la escultura. Aquí hay una breve muestra.

Elementos del diseño escultórico

Los dos elementos principales de la escultura son la masa y el espacio. La masa se refiere al volumen de la escultura y al sólido contenido dentro de sus superficies. El espacio es el aire alrededor de la escultura sólida, y reacciona con este último de varias maneras: primero, define los bordes de la escultura; segundo, puede ser encerrado por una parte de la escultura, formando huecos o áreas vacías; en tercer lugar, puede unir partes separadas de la escultura que se relacionan entre sí a través del espacio.

Las obras de escultura se pueden evaluar y diferenciar de acuerdo con el tratamiento de estos dos elementos. Por ejemplo, algunos escultores se centran en el (los) componente (s) sólido (s) de su escultura, mientras que otros están más interesados en cómo se relaciona con el espacio en el que se encuentra (por ejemplo, cómo se mueve a través del espacio o cómo lo encierra). Compara la escultura egipcia con las obras de Alexander Calder (1898-1976) y Naum Gabo (1890-1977) y verás a qué me refiero.

escultura humana

Otro elemento importante de (la mayoría) de las esculturas del mundo son sus superficies. Estos pueden producir efectos visuales bastante diferentes según si son (por ejemplo) convexos o cóncavos, planos o modelados, coloreados o no coloreados. Por ejemplo, las superficies convexas expresan satisfacción, saciedad, presión interna y “plenitud” general, mientras que las superficies cóncavas sugieren presión externa, una insustancialidad interior y posible colapso. Por otra parte, una superficie plana no sugiere ninguna tridimensionalidad, mientras que una superficie modelada (una que contiene crestas o cavidades que capturan luz / sombra) puede transmitir efectos fuertes de formas tridimensionales que emergen de la oscuridad o se retiran a la oscuridad. Aunque la mayoría de los rastros de pigmento han desaparecido, gran parte de la escultura producida en la Antigüedad (por ejemplo, estatuas / relieves egipcios, griegos, romanos) y medievales (por ejemplo, esculturas góticas de la catedral) estaba cubierta de pintura u otros materiales colorantes, incluyendo hoja de oro o plata y otros colorantes preciosos. Alternativamente, escultores tallados directamente de materiales de colores preciosos, como marfil, jade y oro, o combinaciones de los mismos. El color puede obviamente dotar a una superficie con diferentes atributos de (entre otros) textura, proporción, profundidad y forma.

Principios del diseño escultórico

Estos regulan el enfoque de los escultores a cuestiones tales como la orientación, la proporción, la escala, la articulación y el equilibrio.

Orientación

Para crear un sentido de armonía (o desarmonía) en la escultura misma, o entre partes de ella, o entre la escultura y el espectador, o entre la escultura y su entorno, el escultor generalmente trabaja según un plan espacial particular o esquema de referencia . Tal plan, a menudo basado en un sistema de ejes y planos, es esencial para mantener la proporción lineal entre otras cosas. Así, por ejemplo, las poses de figuras humanas se calculan y crean típicamente con referencia a los cuatro planos cardinales, es decir: el principio de axialidad (por ejemplo, movimiento anatómico), el principio de frontalidad (predominante en los kuros, figuras de pie de la escultura griega arcaica), contrapposto – la postura dinámica en la que una parte del cuerpo se tuerce o se aleja de otra parte, ejemplificada en las obras de Miguel Ángel (1475-1564) y Giambologna (1529-1608) – y la postura quiástica (la postura en la que el peso del cuerpo se basa principalmente en una pierna, una característica típica de la escultura figurativa griega del período Clásico Superior).

Proporción

Cómo los escultores manejan la proporcionalidad estas varía considerablemente. Algunos (por ejemplo, los escultores egipcios) observaron cánones jerárquicos no proporcionales de la naturaleza (por ejemplo, dioses más grandes, faraones más grandes, ciudadanos más pequeños, etc.). Otros escultores han seguido reglas de proporción más naturalistas pero igualmente iconométricas. En comparación, muchas culturas tribales emplean sistemas que, por razones religiosas o culturales, otorgan un mayor tamaño a ciertas partes del cuerpo (por ejemplo, la cabeza). Además, la ubicación específica de una escultura puede requerir un enfoque especial a la proporcionalidad. Por ejemplo, una estatua humana montada en la parte superior de una estructura alta puede requerir una parte superior del cuerpo más grande para equilibrar los efectos del acortamiento cuando se ve desde el nivel del suelo. (El gran pintor rococó Tiepolo fue un maestro para contrarrestar este efecto al crear sus frescos en el techo).

Escala

Esto se refiere, por ejemplo, a la necesidad de crear una escultura en sintonía con la escala de su entorno. Camine alrededor de cualquier catedral gótica importante y observe la gran variedad en la escala de las esculturas que decoran las puertas, fachadas y otras superficies. Además, ciertos grupos de figuras, que ilustran escenas bíblicas, pueden contener varias escalas diferentes: la Virgen María y Jesús pueden ser de un tamaño similar, mientras que (por ejemplo) los Apóstoles pueden ser más pequeños.

Articulación

Esto describe cómo se unen las figuras escultóricas (y otras formas): cómo las partes diferentes de un cuerpo se fusionan en una sola forma, o cómo se unen las secciones separadas. El realista escultor francés Auguste Rodin (1840-1917) creó una continuidad de estilo impresionista en sus figuras, en contraste con los primeros escultores clásicos griegos (por ejemplo, Polyklitus) y los escultores del Renacimiento que prefirieron distintas unidades de forma delineada.

Equilibrio

En la escultura figurativa independiente, el equilibrio involucra dos asuntos principales. En primer lugar, el cuerpo escultórico debe ser físicamente estable, lo suficientemente fácil de lograr en una figura que se arrastra o reclina, menos fácil en una estatua de pie, especialmente si se inclina hacia adelante o hacia atrás. Si es inestable naturalmente, se debe usar una base. En segundo lugar, desde un punto de vista compositivo, la estatua debe proyectar una sensación de equilibrio dinámico o estático. Sin tal armonía, la belleza es casi imposible de lograr.

La mejor forma de entender la escultura

¿Estás desconcertado por todos estos extraños conceptos sobre los elementos y principios de la teoría del diseño escultórico? No se preocupe, muchos críticos de arte lo son también. La mejor manera de entender la escultura es mirar tanto como puedas, idealmente en la carne. Si es posible, visite su museo de arte público más cercano y eche un vistazo a algunas copias de escultura griega o renacentista. Esto debería darte una buena comprensión de las obras de estilo tradicional. Además, si es posible, visite cualquier exposición que incluya obras de escultores abstractos como Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol LeWitt (1928-2007) o Richard Serra (n. 1939). Las obras de escultura abstracta de cualquiera de estos artistas modernos deberían darle mucho en qué pensar.

Materiales

Casi cualquier material capaz de ser formado en tres dimensiones se puede usar para esculpir. Pero algunos materiales como la piedra, especialmente la piedra caliza dura (mármol), madera, arcilla, metal (por ejemplo, bronce), marfil y yeso tienen atributos “plásticos” excepcionales y, por lo tanto, han demostrado ser los más populares entre los escultores desde tiempos prehistóricos. Como resultado, durante la mayor parte de su historia, la escultura se ha creado utilizando cuatro métodos básicos: talla de piedra, tallado en madera, fundición de bronce y cocción de arcilla. Un tipo raro fue la escultura criselefantina, reservada exclusivamente para las principales estatuas de culto.

Escultura de piedra

La escultura de piedra, probablemente la forma más antigua de escultura monumental, así como el mejor medio para obras monumentales, fue común en muchas épocas de la Edad de Piedra del Paleolítico. Las obras prototipo de escultura de piedra prehistórica incluyen la figurilla basáltica conocida como La Venus de Berekhat Ram (230,000 a.C) y una figura de cuarcita conocida como La Venus de Tan-Tan (200,000 a.C). Desde entonces, probablemente el cuerpo más grande de la escultura en piedra fue la serie de estatuas y relieves en columna producidos para las grandes catedrales góticas europeas de Chartres, Notre Dame de Paris, Amiens, Reims, Colonia, entre muchos otros, durante el período 1150-1300.

Se han esculpido piedras de las tres categorías principales de la formación de rocas, incluidas ígneas (por ejemplo, granito), sedimentarias (por ejemplo, calizas y areniscas) y metamórficas (por ejemplo, mármol). El mármol blanco puro de Carrara fue utilizado en el arte romano y en la escultura renacentista italiana por artistas como Donatello y Michelangelo, mientras que los artistas griegos preferían el mármol de Pentelic para hacer las esculturas del Partenón. La escultura irlandesa en la época medieval tardía se limitaba principalmente a las Altas Cruces Celtas, hechas de granito.

Los ejemplos supremos de la escultura de mármol son Venus de Milo (130-100  a.C) por Alexandros de Antioch; Laocoonte y Sus Hijos (42-20 a.C) por Agesandro de Rodas, Athenodoros y Polydorus; Pieta (1497-99) y David por Miguel Ángel; El éxtasis de Santa Teresa (1647) del genio barroco Bernini; Cupido y Psique (1796-7) por el neo-clasicista Antonio Canova; y El Beso (1889) del genio francés Auguste Rodin.

Escultura de Jade

La forma más conocida de escultura de piedra dura, el tallado de jade, ha sido una especialidad de los maestros artesanos chinos desde el Neolítico. La nefrita y la jadeíta son los dos tipos más comunes de piedra de jade, aunque también se usa la bowenita (una forma de serpentina). Los chinos atribuyen cualidades importantes al jade, incluida la pureza, la belleza, la longevidad e incluso la inmortalidad, y los escultores valoran las piedras de jade por su brillo, colores translúcidos y tonos.

Escultura de madera

que significa escultura

El tallado en madera es el tipo de escultura más antiguo y más continuo. Especialmente conveniente para pequeñas obras, la talla de madera fue ampliamente practicada durante la era de la escultura prehistórica, y más tarde durante la era de la escultura cristiana primitiva: véase, por ejemplo, la talla de roble dorado conocida como la Cruz de Gero (965-70, Catedral de Colonia) y tuvo su Edad de Oro en Occidente, especialmente en Alemania, durante la era del arte medieval tardío: presencia de las exquisitas tallas religiosas en madera de lima de los alemanes talladores de madera Veit Stoss (1445-1533) y Tilman Riemenschneider (1460-1531). Más tarde, en la época del Barroco, la madera a menudo estaba recubierta de estuco de yeso y pintada, al estilo del antiguo arte egipcio. Los grandes escultores de madera modernos incluyen a Henry Moore (1898-1986) conocido por su Figura reclinada en madera (1936) y Barbara Hepworth (1903-1975).

Escultura de bronce

Esculpir en bronce es un proceso complicado que se desarrolló independientemente en China, América del Sur y Egipto. La fundición de bronce requiere el modelado de una forma en arcilla, yeso o cera, que luego se elimina una vez que se ha vertido el bronce fundido. El método de la cera perdida fue una técnica común durante la época del Renacimiento. También fue una técnica ampliamente utilizada en la escultura africana de Benin y Yoruba.

Las piezas famosas incluyen La bailarina de Mohenjo-Daro (2,500 a.C), una obra maestra de la escultura hindú de la Cultura de Harappan o Civilización del valle del Indo en India, y la gran acumulación de placas de bronce y esculturas (hechas usando moldes de piezas moldeadas) con decoración de jade encontrada en la cuenca del río Amarillo de la provincia de Henan, China Central, que data del período Xia y más tarde del período de la Dinastía Shang (desde 1,750 a.C)

Escultura de arcilla

Esculpir en arcilla data de la era Paleolítica de la Edad de Piedra. Conocida (cuando está encendida) como escultura de terracota, es la más plástica de todos los métodos de escultura, versátil, ligera, económica y duradera. Aunque la arcilla se usó principalmente para modelos preliminares, más tarde fundida en bronce o tallada en piedra, también se ha utilizado para producir esculturas a gran escala. La escultura de arcilla más antigua que se conoce es la Venus de Dolni Vestonice (26,000 – 24,000 a.C), una figurilla de cerámica que data del Período Gravetiense, descubierto en la República Checa. Otra obra maestra del Paleolítico es el Tuc d’Audoubert Bison de la época magdaleniense (13,500 a.C), un alivio sin fuego de dos bisontes, encontrado en la Cueva Tuc d’Audoubert, Ariege, Francia. Una tercera obra maestra prehistórica es el Pensador de Cernavoda (5,000 a.C), la icónica figurita de terracota creada durante la cultura mesolítica Hamangia en Rumania.

Sin embargo, el ejemplo más famoso de escultura de arcilla debe ser el ejército chino de terracota de la dinastía Qin (los “guerreros de terracota”), una colección de 8,000 guerreros de arcilla y caballos desenterrados en 1974 en la provincia de Shaanxi, China. Con fecha del 246-208 a.C, cada uno de los 8,000 soldados de arcilla es único, con una expresión facial y un peinado diferentes.

Otros materiales esculturales

Otros materiales tradicionales empleados para crear esculturas importantes incluyen el marfil y hueso de ballena, así como metales preciosos.

Los ejemplos más antiguos conocidos de escultura de marfil / hueso incluyen: las célebres tallas de marfil de mamut de animales prehistóricos, pájaros y figuras aristotrópicas (33,000-30,000 a.C) descubiertas en las cuevas Vogelherd del Jura de Suabia, Alemania; la Venus de Kostenki (22,000 a.C), una talla de marfil de mamut de una figura femenina, encontrada en Rusia; y el Hombre León de Hohlenstein-Stadel (38,000 a.C) una estatuilla de marfil de mamut encontrada en el Jura de Suabia.

Las estatuas famosas hechas de piedras preciosas incluyen la escultura de Mesopotamia conocida como Cabra ramoneando un matorral(2500 a.C), una pequeña estatua hecha de oro, cobre, lapislázuli y piedra caliza roja, descubierta en el Gran Foso de la Muerte, Ur ; y el Toro de oro de Maikop (2,500 a.C), una escultura de oro (hecha usando el método de fundición a la cera perdida) de la Cultura Maikop del norte del Cáucaso, Rusia.

Materiales modernos utilizados en la escultura del siglo XX

Los materiales empleados por los escultores del siglo XX incluyen materiales secundarios como el hormigón, así como una lista interminable de materiales modernos como acero inoxidable, fibra de vidrio, aluminio, gomaespuma, papel maché, piezas de bicicletas, plásticos, vidrieras, artículos “encontrados” , y así. Para obtener más información sobre ciertos tipos de arte plástico posmoderno, consulte: Escultura de hielo y también Arte de arena.

Tipos de escultura

Las formas tradicionales básicas de este arte 3-D son: Escultura Independiente, que está rodeada por todos lados por el espacio; y Escultura en Relieve (que abarca bajorrelieve, altorelieve y relieve hundido), donde el diseño permanece unido a un fondo, típicamente piedra o madera. Se pueden ver ejemplos de trabajos de relieve en el arte megalítico, como los complejos grabados en espiral encontrados en Newgrange (Irlanda), en la Columna de Trajano en Roma, el Templo de Zeus en Olimpia y el Partenón. Los relieves arquitectónicos góticos aparecen en todas las principales catedrales europeas de la época: testigos de los Santos en el trancepto sur de la catedral de Chartres, y los apóstoles en el trancepto norte de la catedral de Reims.

esculturistas

También se puede clasificar por su contenido. Una estatua, por ejemplo, como las dos versiones de David de Donatello y Michelangelo, suele ser un retrato representativo en 3-D de una persona, mientras que un busto generalmente solo muestra la cabeza, el cuello y los hombros. Una estatua de una persona a caballo, como la de Giambologna (1529 – 1608) de Cosimo de’ Médici en Florencia, se denomina escultura ecuestre. Tal vez la estatua ecuestre más grande de todos los tiempos es el Caballero de Bronce de estilo barroco de Falconet en la Plaza Decembrist, San Petersburgo: un monumento al zar Pedro el Grande y una obra maestra de la escultura rusa, aunque creada por un francés.

Las Esculturas como arte público

La vívida presencia física de una escultura la convierte en una forma ideal de arte público: ejemplos supremos en la cultura occidental son los megalitos monumentales de Stonehenge, las esculturas clásicas del Partenón en Atenas, las altas cruces celtas de Irlanda y las columnas góticas de los siglos XII / XIII, estatuas y relieves en las catedrales del norte de Francia y Alemania.

La talla de madera religiosa fue llevada a nuevas alturas durante el Renacimiento del Norte por maestros talladores como Tilman Riemenschneider y Veit Stoss, conocidos por sus intrincados trabajos de altar de madera y estatuillas, mientras que la contrarreforma barroca estimuló supremos ejemplos de arte cristiano católico en forma de esculturas de bronce y mármol de (entre otros) Gianlorenzo Bernini (1598-1680), conocido por la serie Cornaro Chapel (1645-52) que incluye El Éxtasis de Santa Teresa.

El arte público secular moderno presenta esculturas famosas como la Estatua de la Libertad, el Chicago Picasso, una serie de figuras de metal producidas para el Centro Cívico de Chicago y la escultura arquitectónica La Aguja de Dublin, conocida como la “punta”, creada por Ian Ritchie (en 1947). La escultura pública contemporánea continúa desafiando los conceptos tradicionales del arte 3-D a través de sus nuevos conceptos espaciales y su uso de materiales cotidianos ensamblados o creados en numerosos tipos de instalación y formas fijas de escultura.

Escultura Moderna versus Postmoderna

Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido reemplazado por el arte contemporáneo o posmodernismo. A diferencia de los modernistas anteriores, los escultores posmodernistas de hoy en día (por ejemplo, artistas pop como Claes Oldenburg, Robert Indiana y el artista Neo-Pop Jeff Koons), pueden usar una amplia variedad de materiales, imágenes y métodos de exhibición. Los estilos tienden a ser más localizados, ya que la tendencia actual entre los movimientos de arte contemporáneo es desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo de los movimientos de arte moderno de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

Si busca en Google esta pregunta, las respuestas son muchas y variadas … Auguste Rodin dijo: “La escultura es el arte del agujero y el bulto”; Picasso declaró: “La escultura es el arte de la inteligencia”; Tom Stoppard observó: “Si se cuelga en una pared, es una pintura, y si puedes caminar alrededor, es una escultura”; y Damien Hirst nos aconseja que la escultura es “lógica y científica, y te hace preocuparte por la gravedad”.