Al período barroco no le faltaron escultores, aunque pocos de ellos fueron sobresalientes, quizás solo Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), que fue aún más grande como escultor que como arquitecto. Aquellos escultores que ocuparon el primer puesto en su ocupación fueron empleados con una intensidad sin precedentes, ya que a pesar de la importancia de la arquitectura barroca, la escultura fue la forma de arte cristiana más característica de la época barroca y sin duda la más difundida. No solo tuvo éxito, a diferencia de la arquitectura y la pintura, en la creación de un lenguaje artístico muy común en toda Europa, sino que afectó la apariencia de casi todos los artefactos artísticos producidos durante ese período. En resumen, la primera característica reconocible de la escultura barroca es su omnipresencia.
El arte plástico producido en este período se puede dividir en dos grandes categorías: los destinados a la decoración, para agregar los toques finales a la arquitectura; y la escultura en el sentido habitual de la palabra, como un elemento en sí mismo.
Escultura arquitectónica
La arquitectura hizo uso de la escultura decorativa de tres maneras típicas. El primero fue en forma de una línea horizontal de estatuas u otras esculturas para completar la parte superior de un edificio. Una vez más, esto no fue una invención barroca, pero fue en el período barroco que se convirtió en una característica estilística convencional, un método sistemático. Derivó de la costumbre que se puso de moda en el siglo XVII de superar un edificio por un «ático». En efecto, este era un parapeto bajo que ocultaba los lados inclinados de un techo, lo que daba al edificio visto desde abajo la apariencia de terminar en una línea horizontal. Esta característica casi siempre está decorada con una fila de estatuas regularmente colocadas y destacadas contra el cielo. Los ejemplos incluyen la Basílica de San Pedro, Roma, cuya columnata oval fue obra del mismo Bernini, y el palacio de Versalles, donde el lugar de las estatuas está ocupado por enormes urnas y frisos. Desde el ático o el techo de un edificio, la práctica se extendió a otras horizontales: las paredes que rodeaban los jardines, los parapetos de los puentes, etc.
Uno de los principales exponentes de la escultura de jardín fue el italiano Carlo Bartolomeo Rastrelli, padre de Bartolomeo Rastrelli (1700-1771), que llegó a San Petersburgo desde París en 1716 durante la era del arte petrino en Rusia (1686-1725) . Se le encargó embellecer los terrenos de varios palacios pertenecientes al zar Pedro el Grande.
Otro uso arquitectónico de elementos esculpidos, como las estatuas, consistía en reemplazar las columnas como elementos de apoyo, ya sea como cariátides (montantes en forma femenina) o telamones (en forma masculina). Este uso tenía una historia que se remonta a la Grecia clásica y se convirtió en una moda, especialmente en el Barroco de Austria y Alemania.
El tercer y más típico uso de la escultura en combinación con la arquitectura fue en frisos, agrupaciones de escudos de armas, pergaminos, trofeos y elementos similares. La combinación de la escultura con la arquitectura llegó incluso al punto en que la escultura parece ser, o se convierte en realidad, arquitectura como en el baldaquino de Bernini en San Pedro, en el que los papeles de las dos formas se mezclan en gran medida con el gusto barroco.
Características de la Escultura Barroca
- Naturalismo: Se trata de plasmar con el mayor realismo posible las figuras y sus ropas. Para ello utilizaban mármoles de distintos colores o maderas policromadas. Las telas forman volúmenes con entidad propia y efectos de claroscuro.
- Movimiento de las figuras: Predominio de las composiciones abiertas o centrífugas, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las aspas y las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos formando líneas sinuosas, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresionismo.
- Enorme expresividad: El rostro, las manos y los gestos corporales revelan los sentimientos de la acción, que siempre reproducen el momento cumbre, el más dramático.
- Predominan los temas religiosos.
- La escultura se hace para un lugar determinado teniendo en cuenta la iluminación y la altura. Al cambiar de lugar los efectos que se quieren conseguir, desaparecen.
- El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la Corte.
- Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.
- La escultura esta subordinada a la arquitectura, pero forma un conjunto con ella.
- Las esculturas tienen numerosos puntos de vista que dan una visión distinta de ella.
- La representación humana debía ser perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.
- La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad que provoca la seriedad se manifiesta en la inquietud en los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
- Se da gran importancia a la representación del desnudismo en su estado puro.
- Los materiales que se utilizan son: el metal, el oro y el grafito. Pero su material preferido es la madera policromada.
Escultura Barroca en Europa
Representantes de la Escultura Barroca
Escultura tradicional
El trabajo tradicionalmente realizado por el escultor en épocas anteriores, en tumbas, altares, monumentos conmemorativos y similares, continuó por su parte para ser producido en el período barroco. En general, tenía diseños que se aproximaban, o incluso podían tomarse, a la escenografía, con un enfoque teatral similar al de escenografía, tal vez de manera apropiada en un período que vio el surgimiento del melodrama y el teatro moderno. Así, en una capilla lateral, Bernini presenta el éxtasis de un santo como un evento teatral, con miembros de la familia que encargó la obra representada en tamaño natural, sentados en cajas como si estuvieran en un teatro mirando el espectáculo.
La escultura tradicional barroca típicamente tenía dos características sobresalientes. En primer lugar, fue técnicamente perfecto. La habilidad de los escultores barrocos constituyó un verdadero virtuosismo en, por ejemplo, la aparición de la piel humana según si el sujeto era hombre o mujer, viejo o joven. Rizos, cortinas, diferentes telas como lana y seda, la textura de la armadura, todo fue imitado con precisión. Tal era el dominio de los escultores sobre su material que, en las estatuas esculpidas en mármol, es imposible deducir o imaginar la forma original del bloque. Miguel Ángel, personificando los ideales de la escultura renacentista italiana, había dicho que una estatua debería dar la impresión de poder rodar de arriba a abajo de una colina sin sufrir daños. No se podría haber dicho tal cosa de las esculturas barrocas. Tienen lo que podría llamarse un objetivo fotográfico: perpetuar un movimiento. Esto implica el uso de diseños libres y sueltos, y también de formas para la forma humana mucho más esbeltas que aquellas consideradas deseables por los escultores renacentistas.
En la escultura, la otra característica especial de la época, y la más importante, fue la aparición del movimiento. Las figuras nunca se representan en quietud o en actitudes de reposo, sino siempre en movimiento, y más típicamente en el momento de menor equilibrio que es el clímax de un movimiento, el momento imperceptible pero dramático, por ejemplo, cuando un saltador ya no se levanta, sino aún no ha comenzado a descender y está inmóvil, en una actitud de potencial, en el aire. Cuando quiso retratar a Apolo persiguiendo a Daphne, Bernini eligió el momento más dramático, cuando Daphne se transforma en un árbol de laurel para escapar del dios: el momento del clímax de la acción.