Desde que el ser humano pinta, los artistas han captado la belleza de las flores. Desde el punto de vista estilístico, los artistas de todos los siglos han pintado flores en el realismo holandés, el impresionismo, el modernismo y el arte pop, por nombrar algunos. Hemos reunido algunos de los cuadros más famosos de flores a lo largo de la historia para que conozca el maravilloso y fragante mundo de las flores.
¿Por Qué Flores?
La primera pregunta que le viene a la cabeza en este momento puede ser ¿Qué hace que las flores sean un tema tan popular?
Las flores han inspirado a los artistas con su delicadeza y su vibrante energía vital durante siglos. Las flores pueden recordarnos la belleza y la variedad de vida que ofrece la naturaleza.
Los cuadros de flores que exploramos a continuación evocan una sensación intemporal y poderosa de alegría que es relacionable con todos los seres humanos, independientemente del contexto.
Dependiendo de la época, se pueden extraer diversos significados culturales de las pinturas de artistas que pintaron flores. Se creía que el loto en la cerámica, la joyería y las pinturas de papiro del Antiguo Egipto representaba al sol, mientras que los artistas de la Edad Media veían en la hiedra un símbolo de compromiso matrimonial.
Las pinturas de flores florecieron en los siglos XV y XVI con la aparición de pintores especializados en botánica. Las pinturas florales de este periodo suelen tener un profundo trasfondo simbólico con imágenes muy decorativas.
Top 15 Pinturas de Flores Famosas
Nuestra lista de pinturas famosas de flores está ordenada cronológicamente. Esperamos que esto le ayude a apreciar el desarrollo de los estilos de pintura floral a lo largo de los siglos.
Bodegón de Flores – Ambrosius Bosschaert (1614)
Bosschaert, uno de los primeros artistas especializados en pinturas florales, fue un pionero de los arreglos florales intrincados y vívidos. Este bodegón de Brosschaert tiene su origen en la creciente fascinación por la botánica en la Alemania y los Países Bajos del siglo XVI. El propio Bosschaert fue un destacado pintor holandés especializado en flores y frutas. Como cabeza de una familia de artistas, Bosschaert sentó las bases de una generación de pintores neerlandeses de flores y frutas.
La mayoría de los arreglos florales de Bosschaert están pintados sobre superficies de cobre y, como este ejemplo, son simétricos con detalles tan exactos que resultan casi científicos. Este cuadro presenta un tulipán amarillo, un clavel rosa y una rosa blanca en el primer plano de una cesta llena de flores vivas. Las flores de la cesta no proceden todas de la misma estación. Lirios del valle, jacintos, rosas, nomeolvides, tulipanes, violetas y ciclámenes aparecen juntos con escrupuloso detalle.
El asombroso detalle que consigue Bosschaert nos permite sentir el pinchazo de las espinas de las rosas y la suavidad de los pétalos. Podemos encontrar delicados insectos arrastrándose por las flores, posándose en las hojas y posándose en el ramo. El detalle, y no se puede subrayar lo suficiente, es impresionante. Bosschaert capta a la perfección las diminutas antenas de la mariposa y la transparencia del ala de la libélula.
Muchos amantes del arte e historiadores entienden este cuadro como una representación de la fragilidad y la brevedad de la vida. Las flores recogidas captan la belleza de la vida en la tierra, pero son increíblemente efímeras. Los delicados insectos retratan las complejidades y la fragilidad de la vida de una manera hermosa pero melancólica. Ambrosius Bosschaert es sin duda uno de los más famosos artistas de las flores.
Camachuelo y Flores de Cerezo – Katsushika Hokusai (1834)
Katsushika Hokusai es considerado uno de los mejores artistas de Japón, y su influencia estilística se ha extendido desde Japón a todo el mundo occidental. Hokusai es el artista más famoso de la escuela Ukiyo-e del arte japonés. Muchas de las obras de Hokusai presentan pájaros y flores como ésta. Hokusai era un maestro del trazo preciso pero fluido, una habilidad que queda patente en esta xilografía en color. La xilografía El camachuelo y los cerezos en flor forma parte de la serie Pequeñas flores de Hokusai.
El grabado muestra un pequeño camachuelo colgado boca abajo de la rama de un cerezo llorón. El cerezo llorón es un árbol autóctono japonés, y el camachuelo es un símbolo de protección contra la desgracia en la cultura japonesa. La ceremonia de Año Nuevo en los santuarios Tenjin de todo Japón tiene como protagonista al camachuelo, ya que la gente espera protegerse de las adversidades para el año que viene. Por la marca rosa en el pecho del camachuelo, podemos ver que es un macho. La colocación de los cerezos en flor de Hokusai tiene un bello ritmo natural resaltado por los toques de rojo.
A la derecha del colorido y delicado grabado, hay un breve poema de Raiban que dice:
Un solo pájaro, mojado por el rocío,
Ha salido;
La cereza de la mañana
Raiban
Esta xilografía de Hokusai, una obra llena de significado cultural y belleza natural sin esfuerzo, es una representación perfecta del arte japonés y de la belleza de las pinturas de flores.
Lilas en una Ventana – Mary Cassatt (1880-1883)
Mary Cassat es una artista mundialmente conocida por ser una de las primeras artistas impresionistas estadounidenses. Aunque la mayoría de sus cuadros tienen como protagonista a la figura humana, a Cassatt también le gustaba pintar jardines y ramos de flores. A partir de la década de 1860, los bodegones florales se hicieron cada vez más populares entre los artistas impresionistas. Durante la década de 1880, cuando Cassatt creó este vívido cuadro, las pinturas de flores impresionistas alcanzaron su máximo esplendor.
Aunque las naturalezas muertas como ésta son poco frecuentes en la obra de Cassatt, muchos de sus cuadros presentan elementos florales y paisajísticos. A pesar de no ser conocida como una de las famosas artistas florales de su época, este cuadro es una prueba de la habilidad de Cassatt.
Este vívido cuadro presenta un jarrón de lilas en el alféizar de una ventana abierta. La obra es un excelente ejemplo del apogeo de las flores impresionistas. El jarrón es de un color berenjena oscuro que contrasta maravillosamente con las lilas blancas y moradas del interior. Con sus características pinceladas fluidas, Cassatt consigue presentar este arreglo como un momento fugaz en el tiempo.
Las angulosas celosías de la ventana contrastan con un arreglo floral que parece estar en movimiento. El marco de la ventana complementa las suaves curvas del jarrón. El cuadro tiene un aire relajado, como si lo hubieras encontrado paseando por la casa de un amigo.
Florero con Doce Girasoles – Vincent van Gogh (1888)
El talentoso y problemático artista impresionista era claramente un amante de los girasoles. Este bodegón con girasoles forma parte de su serie de Arles, una de las dos series sobre girasoles. Aunque, según el título, el jarrón contiene doce girasoles, van Gogh reelaboró este cuadro en una etapa posterior, y en realidad presenta 15 flores.
El «Jarrón de naturaleza muerta con doce girasoles» es una de las más famosas representaciones de flores y sus cuadros más conocidos.
Muchos consideran que este bodegón de girasoles es uno de los cuadros más famosos creados en este género. Este cuadro es también uno de los ejemplos más famosos de las pinturas de flores impresionistas. Los tonos amarillos del girasol se filtran en todos los aspectos de este glorioso cuadro.
Un telón de fondo azul claro hace que las flores avancen y que el foco de atención se dirija a los girasoles con ángulos diferentes en el centro del lienzo. En este cuadro, los girasoles de Van Gogh se encuentran en distintas fases de vida y muerte. Los ecos de la inutilidad, la fragilidad y la brevedad de la vida impregnan este cuadro.
Rosas y Lirios – Henri Fantin-Latour (1888)
A diferencia de los cuadros florales impresionistas que rodean a Henri Fantin-Latour, tanto en esta lista como durante su vida, Fantin-Latour adoptó un enfoque más tradicional. Los cuadros florales de Fantin-Latour se remontan a la época dorada del realismo.
Sobre un fondo de color marrón claro se encuentra un jarrón de cristal alto con largos lirios blancos a la derecha y un jarrón más corto con rosas rosas y blancas a la izquierda. Los jarrones de tamaño y forma relativos parecen reflejar las formas de las flores que contienen. El jarrón de cristal alto, recto y delgado contiene los lirios con tallos alargados y pétalos blancos largos y delicados. Por el contrario, las rosas, redondas y exuberantes, se encuentran en un jarrón pequeño y curvado que apenas se ve por debajo de las flores.
La composición está bellamente equilibrada, a pesar de la diferencia de altura entre los dos arreglos florales. Los tallos de los lirios se extienden naturalmente hacia la izquierda sobre las rosas, uniendo la pieza. Fantin-Latour capta las flores y el agua del jarrón con un exquisito detalle realista. Los tonos rosados contrastan con el marrón oscuro de la mesa y el blanco de los lirios. Este impresionante uso del color da lugar a un cuadro increíblemente romántico.
Iris – Vincent van Gogh (1890)
El hecho de que los cuadros de flores de van Gogh figuren dos veces en esta lista es un testimonio de su increíble talento para captar la frágil belleza de la vida. Hay dos versiones de esta composición, una con un suave y armonioso fondo rosa y esta versión mucho más pronunciada. Vincent van Gogh creó este cuadro durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint-Remy.
Las pinceladas vivas y aparentemente frenéticas en el brillante fondo cítrico dan a este cuadro una sensación de urgencia y movimiento. Sobre este fondo frenético se sitúa un jarrón de lirios de color violeta brillante, algunos erguidos y llenos de vida, y otros que caen sobre la mesa amarilla de abajo. El contraste de colores brillantes y complementarios hace que cada uno parezca aún más audaz y lleno de vida.
Vincent van Gogh completó este cuadro en el hospital psiquiátrico un año antes de su muerte. Se dice que lo llamó «el pararrayos de mi enfermedad». Es probable que la vívida expresión de la vida en movimiento de este cuadro le pareciera una esperanza de recuperación y de seguir viviendo. El vínculo entre la creatividad y la locura es maravillosamente melancólico. Hoy honramos el dolor que hay detrás de las conmovedoras representaciones de Van Gogh de toda la belleza de la vida.
Ramo de Rosas – Pierre-Auguste Renoir (1890-1900)
Las vibrantes y voluptuosas rosas capturadas en este cuadro impresionista de Pierre-Auguste Renoir casi saltan del lienzo. Aunque Renoir sólo se dedicó a pintar flores más tarde en su vida, las rosas eran sus temas favoritos.
Este óleo de un ramo de rosas es increíblemente sensual. Las suaves y vivas pinceladas de Renoir captan las rosas como si estuvieran en el movimiento de la vida. Las rosas rojas y rosas, bellamente coloreadas, están elaboradas en diferentes etapas de la vida. Los pétalos, llenos y voluptuosos, florecen en el ramo, mientras que una sola rosa marchita yace en la mesa de abajo. Las rosas tienen una energía que parece irradiar del lienzo y que les confiere una cualidad táctil.
Jardín de Flores – Gustav Klimt (1905)
Las flores de colores vibrantes son una característica común en los cuadros de Gustav Klimpt, y este cuadro es un ejemplo perfecto de su obra durante su etapa dorada. Este cuadro forma parte de una serie de pinturas inspiradas en los campos de flores que vio en Litzleberg.
Los historiadores del arte suelen considerar este cuadro como uno de los mejores paisajes de Klimpt. El cuadro muestra una multitud de flores que parecen salirse del lienzo. Las flores de colores brillantes llenan este cuadro en una hermosa celebración del mundo natural. La falta de realismo se suma al encanto rústico de la naturaleza sin intervención humana. La belleza natural encapsulada en este cuadro se hace eco del simbolismo de la armonía y la regularidad de la naturaleza.
Flores – Henri Matisse (1907)
Los colores vivos, la abstracción y la relativa bidimensionalidad de este cuadro son típicos del estilo de Henri Matisse. Conocido como una figura prominente dentro del fauvismo y uno de los artistas más influyentes de la era moderna, Matisse se inclina por el arte con serenidad, equilibrio y pureza. Podemos ver los ecos de este sentimiento en este cuadro luminoso y acogedor.
Realizado al principio de su carrera, podemos ver en este cuadro el uso del color más atrevido que el natural y las pinceladas acentuadas típicas del fauvismo. El fondo verde brillante complementa el jarrón blanco y las llamativas flores amarillas, naranjas y rojas que contiene. Una mesa igualmente atrevida y viva debajo del jarrón acentúa los colores de las flores.
Nenúfares – Claude Monet (1908)
No podemos hablar de los cuadros de flores más famosos de todos los tiempos sin mencionar a Claude Monet. Al mencionar a Monet, nos vienen a la mente las flores. Famoso por esta hermosa serie de cuadros impresionistas capturados en plein air en su jardín de Giverny, Monet es un maestro de la captación de la esencia de la naturaleza.
Las pinceladas sueltas de Monet mezclan los distintos aspectos del cuadro, creando una representación armoniosa y aparentemente interminable del mundo natural. En esta famosa obra de Monet, las flores, el cielo, las plantas y el agua se funden para formar un paisaje onírico y suave. Monet consigue captar cómo los nenúfares y el agua que los rodea reflejan y refractan la luz del sol. Algunos historiadores del arte creen que esta obra es una anticipación esencial del movimiento expresionista abstracto que vendría después.
Amarilis – Piet Mondrian (1910)
Como pintor holandés, Piet Mondrian procede de una extensa línea de artistas de las flores. A pesar de las tradiciones culturales del realismo holandés, Mondrian toca este impresionante cuadro rojo con su estilo contemporáneo. Este bodegón es uno de los primeros cuadros de Mondrian, realizado antes de sus pinturas abstractas y geométricas más famosas.
Esta impactante obra de arte con flores rojas tiene un aire fauvista. Mondrian divide la composición en segmentos de colores vivos. El efecto de esta técnica compositiva es que vemos la flor en su forma más elemental. Rompiendo con el impresionismo, Mondrian utiliza la acuarela para captar el equilibrio entre el color y las cualidades pictóricas.
Jarrón Blanco con Flores – Odilon Redon (1916)
Aunque se trata de un dibujo al pastel más que de una pintura, este vibrante bodegón de un ramo de flores mezcladas capta un movimiento hacia el futuro en el arte. El fondo sólido y notable y la superficie de los primeros bodegones holandeses se desvanecen en un degradado de colores cálidos y brillantes.
Frente al rico fondo de tonos anaranjados y rosados, se encuentra un jarrón moteado de blanco con un ramo de flores silvestres. Algunas de las flores de Redon están elaboradas con gran detalle, mientras que otras son más abstractas. Las flores dominan la composición, y podríamos sentarnos a contemplar la gama de texturas y colores durante toda una tarde.
Amapola Roja – Georgia O’Keeffe (1927)
Conocida por sus representaciones eróticas de flores, Georgia O’Keeffe pintó más de 200 composiciones florales a lo largo de su carrera. O’Keeffe creó impresionantes eventos a partir de sus escenas de naturaleza muerta. Aunque al principio de su carrera utilizó acuarelas, a partir de 1918 O’Keeffe empezó a utilizar casi exclusivamente óleos. En esta época, también comenzó a crear pinturas a gran escala de flores como si estuvieran bajo lupa. Esta amapola roja, vívida y voluptuosa, es un excelente ejemplo de su trabajo en esta época.
O’Keeffe veía las flores como un mundo propio, intrincado y delicado, y pintaba para compartirlo con los demás. Los brillantes pétalos rojos y naranjas llenan la composición y se extienden más allá de ella. La pequeña y delicada flor se transforma en una imagen grande y poderosa. Cuando contemplamos los cuadros de flores de O’Keeffe, como la Amapola Roja, se nos invita a reducir la velocidad y a tomarnos nuestro tiempo para observar lo que normalmente podríamos pasar por alto. Como fundadora del movimiento modernista, O’Keeffe es una pionera de las pinturas de flores modernas.
Flores – Andy Warhol (1970)
Las flores fueron una fuente de inspiración habitual para el artista pop Andy Warhol. En 1964 Warhol comenzó una serie de pinturas de flores en las que plasmó la flor de hibisco caída con colores vivos y técnicas interesantes. Esta serie de cuadros tiene una historia controvertida. Warhol utilizó las imágenes de un fotógrafo como base para la serie de flores, y el fotógrafo intentó demandarle. A pesar de la controversia, esta serie de obras de arte de flores siguió adquiriendo fama. Esta serie es un ejemplo impresionante de las pinturas de flores modernas.
Ready to Blossom in the Morning – Yayoi Kusama (1989)
Yayoi Kusama es una artista conceptual que se inspira en el surrealismo, el expresionismo abstracto, el arte pop y el feminismo. Su obra está impregnada de contenido psicológico y sexual autobiográfico y se distingue por los patrones de lunares y redes. Como artista que realmente utiliza su arte para procesar su mundo interior, el amplio uso que hace Kusama de los lunares proviene de sus alucinaciones infantiles.
Esta litografía es, sin duda, obra de Kusama. Las dos flores individuales en amarillo y rosa destacan sobre un fondo de lunares rojo oscuro sobre una superficie negra. El estilo de Kusama de pintar flores recuerda al de un niño de forma caprichosa. Yayoi Kusama es reconocida como la artista japonesa viva más influyente.
Las pinturas florales tienen una larga y colorida historia. Desde el realismo holandés, pasando por el impresionismo, hasta el arte pop, las pinturas de flores siempre han ocupado un lugar en la expresión humana. Quizá sea la combinación de belleza y fragilidad de la vida lo que las convierte en un tema popular para tantos artistas. La variedad de estilos artísticos es tan amplia como la colección de flores de esta tierra, así que si ha disfrutado aprendiendo sobre estas hermosas pinturas, le animamos a seguir explorando.