Pinturas del Renacimiento y Sus Autores

El Renacimiento duró más de tres siglos, fue uno de los movimientos artísticos más populares de Europa. Considerado como un renacimiento del aprendizaje y la sabiduría clásica, muchos artistas crearon pinturas y esculturas en el típico estilo renacentista.

Esto ha llevado a que se estudien innumerables obras de arte de esta época a través de la historia del arte, ya que las obras renacentistas han demostrado ser increíblemente influyentes.

Algunos de los cuadros más famosas de la historia proceden del periodo renacentista, lo que demuestra la importancia inagotable de este movimiento.

¿Qué Significó el Movimiento Artístico del Renacimiento?

Entre el siglo XIV y el XVII el movimiento renacentista dominó la escena artística europea este estilo llegó a afectar a muchos ámbitos de la sociedad.

Además del arte, otros aspectos, como la religión, la literatura y la política, experimentaron un cambio notable durante el Renacimiento, lo que demostró la importancia del movimiento.

El resurgimiento de las técnicas artísticas griegas y romanas hizo que muchos artistas crearan esculturas y pinturas realmente gloriosas.

El Renacimiento comenzó como un movimiento cultural en Italia, se extendió rápidamente a la mayor parte de Europa.

El movimiento del Renacimiento duró unos 300 años, y el tipo de pinturas que se crearon significó un periodo de revolución en el arte que aún no ha sido igualado.

Muchas de estas obras siguen siendo admiradas hoy en día, se considera que varias pinturas renacentistas famosas representan la cúspide de lo que representa el arte tradicional.

El arte del Renacimiento ha demostrado su capacidad para resistir la dura prueba del tiempo, lo que indica su longevidad.

Iglesia Católica

Como numerosas obras fueron encargadas por la iglesia católica, muchas de las pinturas más icónicas del Renacimiento se encuentran en forma de frescos. Esto se debe a que el país se consideraba el centro de la iglesia católica de la época, y las pinturas al fresco de los techos significaban atraer la mirada del público hacia el cielo. La mayoría de estas famosas obras de arte del Renacimiento se conservan en buen estado y adornan hoy el interior de las mejores iglesias y catedrales de Italia.

En esta época dorada, el concepto de la pintura dio un gran salto en cuanto a sus materiales y técnicas. Las representaciones anatómicas exactas de la forma humana y la perspectiva lineal surgieron como puntos principales. Surgió la filosofía del humanismo, que obligó a los artistas a buscar las técnicas de la antigüedad. Esto les permitió representar honestamente al hombre universal y su lugar en el mundo en sus obras de arte.

Los artistas del Renacimiento desarrollaron y perfeccionaron una serie de técnicas que les permitían crear una profundidad extrema, precisión y figuras correctamente proporcionadas en sus pinturas y esculturas. Esto elevó las obras de arte realizadas, ya que se ofrecieron escenas más auténticas y genuinas a los espectadores.

Las 15 Pinturas Más Famosas del Renacimiento

El Renacimiento es el movimiento artístico más emblemático que ha existido, dio origen a muchas pinturas notables que se han incorporado a la cultura pop actual. A pesar de que numerosos artistas ayudaron a dar forma al desarrollo del Renacimiento, sólo unos pocos seleccionados son elogiados y recordados por su contribución.

Aunque la siguiente lista no es muy exhaustiva, vamos a echar un vistazo a las pinturas más respetadas y celebradas que surgieron del Renacimiento.

El Beso de Judas de Giotto

El Beso de Judas, pintado por el pintor y arquitecto italiano Giotto di Bondone en 1306, ha servido de inspiración a innumerables artistas posteriores a su creación. Representando el momento en que se produjo la traición de Jesús por parte de Judas, esta obra de arte también ha sido comúnmente conocida como la «Traición de Cristo». Según la Biblia, este engaño de Judas se produjo poco después de la Última Cena, ya que pasó a identificar a Cristo mediante un beso antes de avisar a los soldados romanos de los alrededores.

Una vez identificado Jesús, fue arrestado y posteriormente ejecutado. El Beso de Judas representó un momento integral dentro del cristianismo, ya que este acontecimiento acuñó la frase «el beso de Judas». En el Huerto de Getsemaní, Giotto pintó una escena nocturna que acentuaba aún más el dramatismo del cuadro.

Al colocar innumerables figuras en el fondo de la composición, creó la percepción de una abrumadora sensación de certeza en torno a la inminente muerte de Cristo.

Pintado en la Capilla de los Scrovegni, en Italia, como parte de un ciclo de frescos, Giotto fue capaz de representar una escena realmente conflictiva y muy emotiva. El Beso de Judas resultó ser el fresco más popular y codiciado del grupo de pinturas de Giotto, lo que llevó a muchos críticos a afirmar que ningún otro artista podría superar la calidad de sus obras. La habilidad de Giotto como pintor se hizo aún más evidente en esta obra, ya que fue capaz de captar la expresión tanto de Judas como de Jesús sin necesidad de palabras.

Otra razón por la que El beso de Judas es una obra de arte tan emblemática es que se cree que marca el fin del estilo de pintura medieval familiar y habitual. Su aparición en la escena artística anunciaba la nueva ola de la revolución artística conocida como el Renacimiento temprano. En el momento de su creación, El beso de Judas y los demás frescos del grupo se consideraban las obras más modernas de cualquier artista.

Este cuadro marcó realmente la pauta del nuevo movimiento renacentista y de sus artistas.

Anunciación de Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci

Posiblemente el mayor artista del Renacimiento fue Leonardo da Vinci, considerado por todos como el «hombre del Renacimiento» por excelencia. Una de sus obras más destacadas, pintada entre 1472 y 1475, fue la Anunciación. Pintada cuando sólo tenía 20 años, esta obra mostraba ciertas características y rasgos que aún no se consideraban «leonardescos» en comparación con sus obras posteriores.

En este cuadro Renacentista, da Vinci representó a un ángel a la izquierda y a la Virgen María a la derecha, con un púlpito colocado entre ellos.

Anunciación

En un jardín confinado en la parte delantera de un palacio renacentista, el arcángel Gabriel se arrodilla ante la Virgen y le entrega un lirio. A pesar de esta acción, la Virgen María permanece sentada en una posición digna detrás del atril, donde parece estar leyendo. El ángel, que se muestra soberbiamente joven con su alta frente, sus elegantes alas y sus opulentos ropajes, se encuentra con la expresión de sorpresa de María, acentuada por su mano levantada. Su pose también se ha descrito como fuerte, lo que acentúa su carácter monumental.

La composición de la Anunciación seguía un modelo ancestral en el que un ángel se sitúa a la izquierda y la Virgen a la derecha, con un atril que los separa. El escenario de esta composición suele abrirse a un vasto paisaje, como se ve en el fondo de esta obra. Da Vinci trabajó este tema tradicional y religioso de forma muy terrenal y natural, como demuestra el ángel. Se muestra con verdadera sustancialidad a través de su sombra que se puede ver en la hierba, así como a través de los pliegues realistas de su ropa.

Un aspecto que vincula inevitablemente esta obra a da Vinci es el uso convencional de colores oscuros mezclados, que era una marca registrada en la mayoría de las demás obras de da Vinci. En la Anunciación se encuentran algunas anomalías, como el brazo derecho de la Virgen, inusualmente largo. Sin embargo, esto se ha atribuido a la corta edad de da Vinci cuando creó esta obra, ya que aún dominaría muchas técnicas.

Lamentación sobre Cristo Muerto de Andrea Mantegna

Pintada por el artista italiano Andrea Mantegna entre 1475 y 1501, La Lamentación sobre Cristo Muerto es un cuadro muy conocido del movimiento renacentista. También conocida como Lamentación Cristo o El Cristo muerto. Esta obra de arte representa el cuerpo de Cristo tendido boca arriba sobre una mesa de mármol. A su izquierda, lo contemplan la Virgen María, San Juan y Santa María Magdalena, que lloran su muerte.

La mayoría de las otras pinturas de lamentaciones mostraban más contacto entre el cuerpo de Cristo y los propios dolientes, mientras que la distancia entre estos dos sujetos se acentúa en la Lamentación de Cristo de Mantegna.

Técnica

Tanto el realismo como la devastación de esta escena se vieron reforzados por la enérgica perspectiva de Mantegna, que utilizó para exagerar y magnificar a Cristo en decúbito supino. Además, enfatizó algunos detalles anatómicos de Cristo, como su tórax, y representó los agujeros en sus manos y pies, y los rostros arrugados de los dolientes, con una luz increíblemente dura.

Se cree que el lamento de Cristo fue realizado para la capilla funeraria del propio Mantegna, ya que sólo fue encontrado por sus hijos después de su muerte. Sin embargo, el cuadro se vendió pronto para saldar la deuda que le quedaba, antes de llegar a la Pinacoteca de Brera de Milán. Esta obra es uno de los muchos ejemplos de la pericia de Mantegna en materia de perspectiva, como demuestra el tamaño de los pies de Cristo. Mientras que el cuerpo de Cristo fue retratado de forma realista, Mantegna se vio obligado a reducir hábilmente sus pies para que no dominaran la composición.

La Primavera de Sandro Botticelli

El notable pintor italiano Sandro Botticelli creó un puñado de cuadros icónicos del Renacimiento durante su carrera. La Primavera, pintada entre 1477 y 1482, representa una escena totalmente mitológica y se considera uno de los cuadros más famosos del arte occidental. La obra, cuyo título se traduce como «primavera» en italiano, también ha sido denominada «Alegoría de la primavera» a lo largo de los años. En este cuadro, Botticelli retrató una serie de figuras de la mitología clásica y las situó en lo que parecía ser un bosque.

Sin embargo, lo que hizo que este cuadro fuera tan cautivador fue que Botticelli decidió presentar varias figuras mitológicas en una disposición específica con fines puramente estéticos.

Por ello, La Primavera no seguía una narrativa real, ya que no se apreciaba ninguna historia concreta al contemplar la obra. Hoy en día se desconoce tanto la inspiración de Botticelli en esta obra como el propósito de pintarla. El misterio de La Primavera ha contribuido al gran atractivo de esta obra, ya que existen muchas interpretaciones de la misma.

Considerada como un ejemplo de arte renacentista célebre, la Primavera ha sido generalmente considerada como una alegoría sobre la estación de la primavera, a pesar de que no hay pruebas que lo demuestren. La figura central de Venus, la diosa del amor y el deseo, puede verse con las tres gracias bailando a su lado, a su izquierda. También aparecen otras diosas, como Cloris, a la derecha, a la que sigue la figura del Viento del Oeste antes de transformarse en la diosa Flora. El dios mensajero Mercurio también está representado en el extremo izquierdo, mientras que Cupido flota sobre Venus.

Esto ha hecho que la obra de Botticelli se considere uno de los cuadros más controvertidos y sobre los que más se ha escrito, debido a la variedad de explicaciones que pueden darse a la escena. Además, La Primavera ha sido citada como uno de los primeros ejemplos de la pintura occidental postclásica que representa una escena no religiosa, lo cual, además de su llamativo colorido, era bastante inusual en la época.

Adoración de los Magos de Leonardo da Vinci

Otra famosa obra de arte del Renacimiento realizada por Leonardo da Vinci fue la Adoración de los Magos, que pintó en 1481. Da Vinci recibió el encargo de esta obra de los monjes agustinos de San Donato en Scopeto, Florencia, pero acabó dejando el cuadro inacabado cuando se trasladó a Milán un año después. A pesar de estar incompleta, la Adoración de los Magos se considera una gran obra de complejidad conceptual y formal.

Da Vinci representó a la Virgen María y al Niño en el primer plano de su composición. Colocando a los Magos, que estaban arrodillados en adoración, a su derecha, consiguió formar una especie de triángulo que se completaba con las figuras que los acompañaban y que los rodeaban. Dentro del público, algunos críticos han dicho que da Vinci incluyó un autorretrato de su yo más joven, como demuestra la figura del extremo derecho. Otros objetos que pueden verse son las ruinas de un edificio pagano, que estaba en proceso de reparación.

Se cree que el edificio remite a la basílica de Majencio. Según una antigua leyenda medieval, los romanos afirmaban que el edificio duraría hasta que una virgen diera a luz. Así, el edificio se derrumbó supuestamente la noche en que nació Cristo. A pesar de que el edificio real no existió hasta mucho después, da Vinci incluyó un dibujo preparatorio de las ruinas en la Adoración de los Reyes Magos. Se dice que la gran palmera que se ve en el centro de la obra es otra referencia a la Virgen María, que está sentada debajo de ella.

La «Adoración de los Reyes Magos» es posiblemente uno de los cuadros más peculiares e innovadores de da Vinci.

Al combinar los miembros del público con los jinetes armados que se ven en el fondo, da Vinci fue capaz de transformar un tema bíblico ordinario y común en una escena que podría extraerse de la historia humana. Aunque se considera que esta pintura es notable por su extrema potencia, fue enviada para algunos trabajos de restauración en 2011. Seis años después, la Adoración de los Reyes Magos surgió como una obra de arte mucho más limpia y brillante en comparación con lo que era originalmente.

El Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli

Quizá uno de los cuadros más famosos del Renacimiento que surgió del movimiento fue El nacimiento de Venus, que también se convirtió en el cuadro más significativo creado por Sandro Botticelli. Pintado entre 1485 y 1486, se supone que El nacimiento de Venus fue encargado por la familia Médicis para una de las paredes de su dormitorio.

Al igual que su otro cuadro, «La Primavera», esta obra de Botticelli fue considerada revolucionaria por representar una escena no religiosa de la mitología clásica a tan gran escala.

En su composición, Botticelli representó a la diosa romana Venus saliendo del mar y llegando a la costa de Chipre en una concha. Crecida y completamente desnuda, Venus es vista como una mujer pura y madura que coloca con delicadeza sus cabellos cargados de erotismo sobre su cuerpo para enfatizar su modestia y humildad. Dado que El nacimiento de Venus fue creado en una época en la que los desnudos se estaban convirtiendo en algo habitual en la pintura, Botticelli prestó gran atención a su representación de Venus, ya que se aseguró de representar correctamente cada detalle.

La Venus de tamaño casi natural resultó bastante controvertida, ya que los desnudos de esta magnitud eran casi inéditos en la pintura occidental de la época. Como la pose de Venus se decía que celebraba el arte clásico grecorromano, su postura hacía referencia a las esculturas clásicas de la época. Sin embargo, Botticelli parece haber exagerado su figura hasta el punto de hacerla anatómicamente imposible, lo que aumentó el escepticismo en torno a esta obra.

Se han propuesto muchas interpretaciones de este cuadro, y el análisis más popular cree que Botticelli estaba representando la idea neoplatónica del amor divino a través de Venus. Tras su muerte, la reputación de Botticelli empezó a decaer, junto con el prestigio de El nacimiento de Venus. Sin embargo, su importancia resurgió a finales del siglo XIX, cuando este cuadro alcanzó fama internacional.

Como una de las mejores obras de arte del Renacimiento de Botticelli, este cuadro ha seguido siendo desde entonces una de las pinturas más apreciadas a lo largo de la historia.

El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch

El arte de los trípticos del Renacimiento siguió siendo una forma popular de pintura durante todo el movimiento, con un artista en particular que logró destacar por sus notables obras. El pintor holandés Hieronymus Bosch ha sido recordado por sus pinturas de paneles de fuerte carácter narrativo, siendo El jardín de las delicias terrenales su obra más famosa.

No se sabe mucho sobre la innovadora obra maestra del Bosco, salvo que su patrocinador fue Engelberto II de Nassau de Bruselas. El Jardín de las Delicias, la más exitosa y destacada de sus obras, fue concebida como un retablo y se componía de tres partes internas que debían leerse de izquierda a derecha.

En el primer panel, el verdadero origen del Jardín de las Delicias puede verse a través de la representación de Dios, Adán y Eva en la parte inferior derecha. Sin embargo, el panel central resultó ser el más significativo a la hora de ver el cuadro. En él, el Bosco ilustra el crecimiento del Jardín del Edén y de la humanidad, ya que se puede ver a las distintas figuras interactuando de forma extasiada entre sí. Rodeado de extraordinarias criaturas, animales y frutos, se dice que este panel representa el momento anterior a la expulsión del hombre del paraíso.

Las acciones ensimismadas de las figuras del centro se pensaron como un anticipo de lo que podría seguir, que era una representación del Juicio Final en el último panel. A lo largo de la historia, este cuadro se ha interpretado como una advertencia didáctica sobre los peligros de las tentaciones de la vida, así como de la vida de la humanidad tras su caída en desgracia. Varias interpretaciones del panel del Jardín del Edén han desvelado su intrincado simbolismo, y muchos historiadores del arte siguen divididos sobre si existe como una verdadera advertencia moral o como una escena de la utopía perdida.

La Última Cena de Leonardo da Vinci

Otra famosa obra de arte renacentista de Leonardo da Vinci es La última cena, pintada entre 1495 y 1498. Considerada la mejor obra de arte realizada por da Vinci, fue encargada por el duque de Milán para el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, donde todavía puede verse hoy. Como muchas otras pinturas renacentistas famosas, La última cena es una escena religiosa que representa la última cena de Jesús con sus doce apóstoles.

En La última cena, da Vinci demostró su maestría en la representación del realismo, ya que fue capaz de retratar con precisión el desconcierto y la confusión entre los que estaban sentados a la mesa cuando Jesús anunció que uno de ellos le traicionaría. Como una de las pinturas más reconocidas del mundo, Cristo fue representado en el centro y flanqueado por sus discípulos a ambos lados.

Sin embargo, da Vinci se apartó de la tradición en esta obra al representar a Judas separado del grupo, optando por transmitir su traición colocándolo firmemente oculto en la sombra.

El detallado conocimiento de Da Vinci sobre la anatomía y la luz quedó fielmente representado en esta obra, ya que La última cena destacó por su inteligente uso de estos elementos, además del color. La forma triangular en el centro de la obra, con Jesús como punto focal, ha sido objeto de mucho debate a lo largo de los años.

La larga mesa rectangular tras la que se sienta el grupo actuaba como límite entre los espectadores y los ocupantes que se veían en este momento increíblemente sagrado. Al incluir paredes a ambos lados, da Vinci enfatizó aún más la importancia de la escena central al centrar la atención del público en Jesús en el centro. Además, el uso de la perspectiva lineal de este modo contribuyó a la poderosa y dramática atmósfera de La última cena, lo que ayudó a que se considerara una de las obras de arte más veneradas y famosas de todos los tiempos.

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci

A lo largo de su carrera, Leonardo da Vinci fue conocido por crear muchos cuadros famosos del Renacimiento. Sin embargo, su Mona Lisa, que pintó en algún momento entre 1503 y 1506, ha sido clasificada durante mucho tiempo como la obra de arte más famosa jamás realizada en el arte occidental. El tema del cuadro, que tiene la mitad de la altura de un retrato, era Lisa Gherardini, cuyo adinerado marido le encargó esta obra. En la actualidad, la Mona Lisa es propiedad de los franceses y puede contemplarse en el Museo del Louvre de París, donde atrae a millones de espectadores cada año.

Elogiada como el cuadro más conocido y visitado del mundo, la Mona Lisa es sin duda la pintura más discutida de la historia, todo ello debido a su enigmática y misteriosa sonrisa. Se ha debatido mucho sobre la sonrisa de la Mona Lisa, ya que existe mucha controversia sobre si realmente está sonriendo o no.

La principal característica de este cuadro son sus ojos, ya que da Vinci los pintó de tal manera que, incluso cuando te alejas de la obra o te colocas en otro ángulo para verla, sus ojos parecen seguirte siempre.

La Mona Lisa también se titula «la Gioconda», que se traduce como «feliz» o «jovial» en italiano. En parte debido a su esquiva sonrisa, da Vinci siempre vio este cuadro como un trabajo en progreso, ya que seguía buscando la perfección cada vez que trabajaba en él. Muchos historiadores afirman que, debido a su búsqueda de la excelencia, su sonrisa resultó ser el aspecto más cautivador jamás visto en un retrato.

Debido a lo que da Vinci sentía por la «Mona Lisa», nunca la entregó a su comisario y la conservó con él hasta su muerte.

La composición de Da Vinci de la figura de la Mona Lisa se consideró una transformación radical en comparación con los retratos convencionales de mujeres de la época. En la obra de Da Vinci, dejó de lado a propósito cualquier joya o elemento decorativo que pudiera enfatizar su estatus social para centrarse plenamente en su personalidad. A lo largo de la historia, la Mona Lisa se ha hecho tan famosa que ha sido referenciada e imitada un sinfín de veces en otras obras de arte y en la cultura pop.

La Escuela de Atenas de Rafael

Otra famosa obra de arte del Renacimiento fue La Escuela de Atenas , pintada por Rafael entre 1509 y 1511. Este fresco, que es uno de los cuatro que se encuentran en el Palacio Apostólico del Vaticano, representa a los más grandes científicos, filósofos y matemáticos reunidos para compartir ideas y aprender unos de otros.

Considerada la mayor obra maestra de Rafael, se dice que esta pintura simboliza la filosofía, ya que las figuras de Aristóteles y Platón aparecen en el centro de la composición.

Los otros tres frescos que componen el grupo se encuentran en el segundo piso del Palacio Vaticano y se cree que simbolizan ramas del conocimiento humano en forma de poesía, teología y derecho. De este grupo, La Escuela de Atenas ha resultado ser el fresco más significativo y memorable, ya que captó plenamente el espíritu clásico del Renacimiento. Rafael hizo un gran uso de la perspectiva en su obra, ya que los ojos de los espectadores se ven atraídos al instante por las dos figuras principales que se encuentran en el centro, que se dice que son Platón y Aristóteles.

La inclusión de Platón y Aristóteles fue para que sus ideas únicas de filosofía estuvieran representadas. El grupo de la izquierda de la composición representaba las teorías de Platón, mientras que el de la derecha las de Aristóteles. La distinción entre estos individuos la hacían las figuras centrales de la obra, que se situaban en el lado donde se representaban sus ideas. En La Escuela de Atenas se incluyeron un total de 50 figuras, lo que demostró la gran maestría de Rafael en la pintura realista.

Rafael llegó a incluir en la escena un malhumorado retrato de sí mismo, que revelaba la gran consideración que tenía de sí mismo como artista. Además, era ostensiblemente consciente de la grandeza de su cuadro, ya que sospechaba que iba a cambiar definitivamente el curso de la pintura.

A lo largo de la historia del arte, este cuadro ha sido calificado como la «encarnación perfecta» de lo que representaba el Renacimiento, ya que captó con precisión el espíritu clásico del movimiento.

La Creación de Adán de Miguel Ángel

Al considerar las pinturas más famosas del Renacimiento, seguro que le viene a la mente La Creación de Adán. Pintado por Miguel Ángel en 1512, este fresco adorna el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano y se considera la piedra angular del arte renacentista. Aunque Miguel Ángel pintó varios frescos en el techo, La Creación de Adán resultó ser el más famoso de la obra.

La Creación de Adán se ha convertido en un símbolo de la humanidad, ya que el cuadro representa las manos de Dios y de Adán a punto de tocarse. Adán es representado como un clásico desnudo musculoso, recostado a la izquierda de la obra mientras extiende su mano hacia Dios, que ocupa el resto de la composición. Mientras que Adán parece estar increíblemente relajado en su pose, Dios se muestra corriendo hacia él. La prisa de Dios se comunica a través de sus ropas blancas que flamean detrás de él, lo que ayuda a enfatizar el enérgico movimiento de su cuerpo.

Miguel Ángel representa a los ángeles que rodean a Dios, mientras que Adán aparece tumbado en el borde de la tierra. Detrás de él, se representan escenas montañosas a través de la cornisa verde sobre la que yace. Este fondo creaba una fuerte diagonal entre ellos, que enfatizaba la división que existía entre Adán, un simple mortal, y el Dios celestial.

Sin embargo, el verdadero punto focal de esta pintura reside en el espacio central entre sus manos, ya que los ojos del espectador se ven inmediatamente atraídos por sus dedos extendidos pero separados.

La Creación de Adán, el mayor y más complicado fresco jamás realizado, le llevó a Miguel Ángel más de cuatro años de trabajo. En el momento de su creación, el Papa Julio II convenció al artista para que abandonara el otro trabajo que estaba realizando para centrarse en la pintura de la ahora icónica obra maestra. La Creación de Adán se considera hoy un ejemplo exquisito del arte del Alto Renacimiento, que permitió que el techo de la Capilla Sixtina se convirtiera en la máxima representación visual de los ideales y las características del Renacimiento.

Madonna Sixtina de Rafael

Otro de los cuadros icónicos del Renacimiento realizados por Rafael fue La Madonna Sixtina, que pintó entre 1513 y 1514. Considerada como la última gran obra de arte renacentista de Rafael, que murió poco después de su finalización, la Virgen Sixtina representa a María con el niño Jesús en brazos. A ambos lados de ella, se ven Santa Bárbara y San Sixto, con dos querubines debajo de ella.

De todas las obras de arte renacentistas de Rafael, este cuadro ha sido reconocido como su obra más importante.

Encargada como retablo para la iglesia de San Sixto en Piacenza, Italia, La Madonna Sixtina representa a María y al Niño Jesús muy preocupados, mientras San Sixto mira humildemente hacia ella con la mano extendida hacia el cielo. Para aumentar la atmósfera de incertidumbre, los dos santos parecen flotar por debajo de María, como si no supieran a dónde ir. Sin embargo, el elemento más emblemático de este cuadro es la pareja de pícaros querubines que se ven en la parte inferior del lienzo, que parecen estar increíblemente aburridos con lo que está ocurriendo.

Mientras uno de los querubines mira hacia arriba y apoya la barbilla en la mano, el otro mira hacia un lado de la obra, con la cabeza apoyada en los brazos cruzados. Los críticos de arte han afirmado que es su actitud general de mal humor lo que ha enfatizado aún más su presencia y les ha ayudado a destacar en comparación con el resto de la obra. Además, su hosquedad los diferencia claramente de otros querubines típicos de mejillas sonrosadas y alegres que se encuentran en otras pinturas, y se cree que Rafael representó a sus querubines de esta manera en un supuesto golpe a Miguel Ángel.

Como Rafael pintó dos de los querubines más emblemáticos de la historia del arte, La Madonna Sixtina provocó un gran debate cuando llegó a Alemania. Algunos se preguntaban si había difuminado los límites entre el arte y la religión en esta obra.

Asunción de la Virgen de Tiziano

Como la mayor parte del arte del Renacimiento se centraba en la imaginería religiosa, los cuadros producidos por Tiziano no fueron diferentes. Uno de sus famosos cuadros renacentistas es la Asunción de la Virgen, que pintó entre 1516 y 1518. Pintado como retablo para la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari en Venecia, la Asunción de la Virgen ha permanecido en su ubicación original y todavía puede verse allí.

Completada por Tiziano en las primeras etapas de su carrera, la Asunción de la Virgen hizo uso de colores increíblemente vibrantes. Fue el primer encargo de Tiziano en Venecia, que le sirvió para establecerse como pintor de referencia en la ciudad. Representando la «asunción de la virgen», que se celebra cada año el 15 de agosto, Tiziano inmortalizó la subida de María al cielo antes de que su cuerpo comenzara a descomponerse. En la parte central, María es elevada por un grupo de ángeles hacia el cielo, mientras sus apóstoles se despiden desde el suelo.

En el panel superior, se ve a Dios mirando a María mientras ella asciende hacia él. María constituye el punto central de la obra, ya que tanto Dios como los apóstoles centran su atención en ella, lo que también ayuda a dirigir los ojos del espectador hacia ella. Dios parece esperar pacientemente la llegada de María, mientras que los apóstoles levantan los brazos asombrados al ver el verdadero milagro que se desarrolla ante ellos.

A pesar de que la obra está notablemente dividida en tres secciones, cada una de ellas está conectada por las manos extendidas y la repetición de las expresiones faciales.

Tanto el uso estructurado del color como la composición en la obra de Tiziano resultaron ser un elemento clave en muchas pinturas del Renacimiento, ya que las obras se dividían frecuentemente en tercios. Después de su creación, La Asunción de la Virgen se convirtió en el mayor retablo de Venecia, y lo sigue siendo en la actualidad. Este cuadro demostró el primer intento de Tiziano de copiar las escenas modernas y dinámicas que se encontraban en las obras de Rafael y Miguel Ángel, que eran cada vez más populares.

Venus de Urbino de Tiziano

A lo largo de la existencia del movimiento, las pinturas de artistas renacentistas realizadas por Tiziano resultaron ser increíblemente influyentes. Otra de sus obras, Venus de Urbino, que pintó en 1534, se inspiró en la Venus dormida de Giorgione (1510). Procedente de una larga tradición de diversas representaciones de Venus, la obra de Tiziano fue un paso más allá al interpretar a la diosa en un sentido mucho más erótico.

Al representar a Venus en un entorno doméstico, ya que aparece recostada en una cama, Tiziano dio la impresión de que era una mujer tocable, domesticada y sensualmente explícita. Todo ello se consigue a través de su pose relajada, ya que parece estar completamente a gusto a pesar de estar desnuda. Como esta obra no tiene implicaciones religiosas directas, se cree que Tiziano la creó a propósito para que fuera erótica. La sexualidad de la obra se ve acentuada por la mirada directa de Venus hacia los espectadores, ya que su leve sonrisa sugiere que es consciente de quienes la miran.

Aunque su desnudez se yuxtapone a un fondo opulento y fastuoso, lo que hace que esta representación de Venus sea tan interesante es que carece de los símbolos alegóricos o mitológicos que habitualmente se asocian a su presencia. En su lugar, Tiziano puso todo el énfasis en la naturaleza realista y tentadora de Venus, ya que contrastó los tonos cálidos de su piel con el fondo más oscuro para que su presencia fuera aún más distintiva. El uso sutil del claroscuro le da a su cuerpo una calidad escultural que acentúa sus curvas.

La explicación más común es que se encargó como un retrato de matrimonio. Los elementos que apoyan esta idea son el perro dormido, los dos sirvientes y el baúl del fondo, que solía ser regalado a la novia por la familia de su marido. La Venus de Urbino está considerada como uno de los ejemplos más famosos y logrados del arte del Renacimiento, ya que muchas otras pinturas se han inspirado y han tomado prestados elementos de esta obra.

El Juicio Final de Miguel Ángel

La última obra de arte famosa del Renacimiento incluida en nuestra lista es El Juicio Final, que fue pintado por Miguel Ángel entre 1536 y 1541. Situado en toda la pared del altar de la Capilla Sixtina del Vaticano, El Juicio Final es uno de los infames frescos pintados por Miguel Ángel en la emblemática capilla.

Lo que hace que El Juicio Final sea tan notable es que Miguel Ángel comenzó a trabajar en él 24 años después de haber completado el techo de la Capilla Sixtina, lo que significa que tenía más de sesenta años en ese momento. En un principio, representó a todos los hombres desnudos, pero éstos se cubrieron posteriormente con cortinas.

En El Juicio Final se representa la Segunda Venida de Cristo, que era el día en que se decía que Dios iba a juzgar a toda la humanidad por última vez. Al pintar a Cristo en el centro, con sus manos y pies heridos visibles, y rodeándolo de santos prominentes, Miguel Ángel representó una escena de acción perturbadora. La atención de Cristo se centra en las almas de los seres humanos que se enfrentan a sus destinos, mientras contempla la caótica escena que se desarrolla ante él.

La parte superior del cuadro mostraba la resurrección de los muertos al cielo, mientras que la parte inferior mostraba el descenso de los pecadores al infierno. Ciertos elementos de El Juicio Final han sido analizados durante siglos, como la decisión de Miguel Ángel de representar a Cristo sin barba, algo muy inusual para la época. El uso del color por parte de Miguel Ángel, así como sus excepcionales pinceladas, han hecho de este cuadro una de las obras de arte más veneradas del mundo, ya que se considera el fresco más influyente del arte occidental.

Arte del Renacimiento

El arte del Renacimiento demostró ser extremadamente importante, ya que varias obras siguen siendo comentadas y admiradas en la actualidad.

Además, algunos elementos de las pinturas renacentistas más famosas han servido de inspiración e información para los movimientos artísticos posteriores que surgieron, lo que demuestra la importancia del periodo.

Aunque sólo hemos hablado de las 15 obras de arte más famosas del Renacimiento, existen muchos más ejemplos magníficos. Si ha disfrutado leyendo sobre estas pinturas realmente increíbles, le animamos a que siga explorando.