Esculturas Neoclásicas Famosas – Las Mejores Estatuas Neoclásicas del Siglo XVIII

Las estatuas y esculturas neoclásicas surgieron por primera vez en la segunda mitad del siglo XVIII y fueron un estilo reaccionario que quería librarse de algunos elementos de diseños más frívolos del estilo rococó precedente. Las esculturas del Neoclasicismo estaban muy influenciadas por la obra de los antiguos griegos y romanos. Los avances en el campo de la arqueología descubrieron magníficas obras de arte de la antigüedad clásica que los arquitectos contemporáneos de la época querían imitar.

Introducción a las Esculturas del Neoclasicismo

Durante el siglo XVIII, los arqueólogos empezaron a desenterrar antiguas civilizaciones que revelaban una arquitectura y unas obras de arte muy admiradas por su atención al detalle y su armoniosa simetría general. Los artistas de la época empezaron a despreciar el estilo rococó y quisieron volver a los conceptos e ideas que los imperios grecorromanos habían propugnado en sus obras.

Características de las Estatuas Neoclásicas

Las esculturas neoclásicas se reconocen por su simetría. Las esculturas muestran proporciones perfectas y un equilibrio en la composición. Hay una sensación general de armonía en las formas y es muy evidente que los artistas se esmeraron en crear obras de arte que reflejaran un profundo conocimiento de la forma y la anatomía humana.

Las estatuas neoclásicas tenían un tamaño que iba desde las dimensiones reales hasta las esculturas a escala monumental. El tono de la temática era siempre serio y desprendía un estado de ánimo profundamente contemplativo. Las esculturas del Neoclasicismo tenían temas variados, desde héroes históricos hasta figuras mitológicas, deidades y personajes contemporáneos famosos de la época.

Esculturas Neoclásicas Famosas

Las esculturas neoclásicas estaban influenciadas principalmente por el imperio grecorromano de la antigüedad. Por tanto, no les faltaban modelos potenciales para su propia obra. Existían muchos ejemplos de la antigüedad clásica, aunque la mayoría eran réplicas romanas de estatuas griegas aún más antiguas.

Ahora profundizaremos algunos de los mejores ejemplos de esculturas del Neoclasicismo que se han creado.

Mercurio Atándose las Alas de Jean-Baptiste Pigalle

Jean-Baptiste Pigalle nació en París en 1740, hijo de un carpintero que trabajaba para el rey de Francia, Luis XIV. Tras su aprendizaje con Robert le Lorrain, pasó a ser alumno de Lemoyne. A continuación, se presentó al Prix de Rome, un concurso convocado por la Academia Francesa en el que el primer premio consistía en estudiar gratuitamente en Roma durante cuatro años. Aunque no ganó el concurso, decidió quedarse en Roma.

Durante ese tiempo consiguió vender algunas esculturas a personas como Guillaume Coustou, así como al embajador francés en Italia. En 1741 regresó a París y trató de obtener la aprobación de la Academia Francesa de Pintura y Escultura.

Así pues, Pigalle esculpió una versión en terracota de Mercurio atando su talaria y la presentó a la academia esperando su aprobación. Se cree que Pigalle pudo inspirarse en los grabados de Jacob Jordaens, especialmente en su cuadro del siglo XVII titulado Mercurio y Argus.

Su escultura mostraba un gran potencial dinámico en la figura agachada y desprendía vitalidad y energía hasta el punto de convertirse en sinónimo de velocidad. La academia respondió pidiéndole que recreara la escultura utilizando mármol en lugar de terracota. Lo hizo y fue aceptado como miembro de la Academia en julio de 1744.

Retrato de Pedro el Grande de Marie-Anne Collot

Marie-Anne Collot nació en 1748 en Francia Fue una escultora de estilo neoclásico y alumna de Etienne Falconet y nuera de éste. Su primer trabajo fue como modelo para el taller de Jean-Baptiste Lemoyne cuando sólo tenía 15 años. Después, empezó a estudiar en el taller de Etienne Falconet. Con el tiempo se convirtió en su amiga íntima y en su alumna favorita.

En 1766 acompañaría a Falconet a Rusia por invitación de Catalina la Grande. Catalina la Grande deseaba que se creara una estatua ecuestre de Pedro el Grande que se situaría en la plaza del Senado de San Petersburgo. Esta famosa estatua fue conocida como el Jinete de Bronce.

Allí comenzó a esculpir retratos de la nobleza de la corte rusa. Quedaron maravillados por el talento de la joven de 18 años. Catalina la Grande acabó rechazando los tres intentos de la cabeza del zar que había esculpido Falconet. Marie-Anne había creado su propia versión de la cabeza de Pedro el Grande en yeso, y fue esta versión la que Catalina la Grande acabaría utilizando para el diseño de la estatua. El busto se encuentra ahora en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

Catalina la Grande también pidió que se esculpiera un busto de Pedro el Grande en mármol. El busto de mármol se encuentra ahora en el Museo Estatal del Hermitage, también en San Petersburgo.

Jinete de Bronce de Étienne Maurice Falconet

El Jinete de Bronce fue esculpido por Étienne Maurice Falconet, un escultor francés. Está situado en la plaza del Senado y representa al zar de Rusia, Pedro el Grande. Inaugurada al público en 1782, fue mandada construir por Catalina la Grande. El nombre de la escultura inspiraría una de las obras literarias más importantes de Rusia, un poema de Alexander Pushkin titulado El jinete de bronce.

Un hecho fascinante sobre la escultura se encuentra debajo de la propia escultura. La Piedra del Trueno es el nombre que recibe el enorme pedestal de la estatua. Se dice que es la mayor piedra movida por el ser humano y que originalmente pesaba unas 1.500 toneladas antes de que se redujera a su tamaño actual para poder transportar la enorme piedra desde su origen.

Durante la fundición de la estatua, en 1775, se produjeron varios incendios al romperse el molde y escaparse el bronce fundido.

Más tarde tuvo que ser remodelada y fundida de nuevo. La estatua tardó doce años en completarse. La excavación del gigantesco pedestal de piedra comenzó catorce años antes de que fuera finalmente inaugurada. Miles de personas asistieron a la ceremonia de inauguración, excepto el propio escultor, que había abandonado Rusia cuatro años antes debido a un conflicto causado por un malentendido entre ambos. El rostro de la estatua fue esculpido por Marie-Anne Collot, una joven estudiante de Lemoyne y Falconet.

Invierno de Jean-Antoine Houdon

Jean-Antoine Houdon fue una figura clave entre los escultores del neoclásico. Nacido en Francia fue muy reconocido por sus esculturas neoclásicas de personajes destacados de la historia contemporánea. Es conocido por sus estudios de personajes como Napoleón, George Washington y Voltaire. Llegó a ser uno de los escultores franceses más conocidos del siglo XVIII, a pesar de que apenas fue reconocido en vida por sus logros escultóricos.

En ocasiones, el escultor también experimentó con los estilos rococó y manierista, pero su estilo se caracteriza principalmente por un neoclasicismo sin pretensiones.

Se cree que la composición original de esta figura puede remontarse a 1781. Se considera una de sus figuras desnudas más llamativas y forma parte de una serie de figuras colgantes que quería esculpir y que representaban las distintas estaciones, o más bien dos de las estaciones más extremas, el invierno y el verano. Una pequeña versión del Invierno esculpida en terracota se encuentra en el museo Fabre de Montpellier y podría ser el primer estudio que Houdon realizó sobre el tema.

El Invierno de la estación ha sido representado como una figura femenina desnuda con un chal colocado sobre la cabeza y el torso, pero en el proceso ha dejado el resto de su cuerpo expuesto a los elementos y desnudo.

En cambio, su escultura del Verano está representada con una camisa y sosteniendo una regadera y una gavilla de trigo. En el Salón de 1783 se expusieron versiones en mármol del Invierno. La versión en bronce se fundirá posteriormente, en 1787. Con esta escultura, Houdon pudo revelar los rasgos seductores de la bella forma femenina, pero también pudo transmitir al espectador la sensación de la amarga dureza de la estación fría.

Psique Reanimada por el Beso del Amor de Antonio Canova

El coronel John Campbell encargó a Antonio Canova la creación de Psique revivida por el beso de Cupido en 1787. Se considera un punto álgido de la escultura neoclásica, pero también muestra características del Romanticismo, el movimiento emergente de la época. La escultura capta un momento muy emotivo cuando el dios Cupido despierta a Psique con un beso. Lucio Apuleyo había escrito una novela titulada El asno de oro que se cita como fuente de inspiración para la historia.

Cuando Murat falleció, la estatua fue trasladada al Museo del Louvre de París. La segunda versión fue adquirida en 1796 por un noble ruso llamado Príncipe Yusupov. Más tarde se alojaría en el Museo del Hermitage de San Petersburgo. Una réplica a escala real de esta versión se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

La técnica de talla de Canova le permitió crear un contraste entre los elementos que los rodean y el aspecto suave y realista de su piel de mármol.

La roca sobre la que se posan tiene una textura áspera, y la tela que cubre la piel resalta aún más la diferencia entre la textura de la tela y el acabado suave y sedoso de la piel. El uso de líneas finas y curvas se emplea de manera que añade una sensación de realismo y textura al pelo y las alas de las figuras.

Dr. Anthony Addington de Thomas Banks

Thomas Banks fue originalmente aprendiz de un albañil de Londres, pero al mismo tiempo también trabajó junto a Peter Scheemakers, que era escultor de profesión. Después se inscribió en las clases de vida de la Academia de St. Martin’s Lane. Mientras tomaba clases durante un periodo posterior en la escuela de la Royal Academy, en 1772, se encontró en la prestigiosa posición de ser el primer escultor en ganar el incentivo que pagaría tres años de estudio en Roma. Se trasladó allí con su esposa y juntos acabarían permaneciendo siete años.

Su obra está considerada como una de las esculturas neoclásicas más originales de Gran Bretaña. Se le elogió por no limitarse a seguir la moda del renacimiento clásico, sino que tenía una profunda comprensión del espíritu del estilo.

Su busto del Dr. Anthony Addington puede parecer muy realista y lleno de expresión, pero en realidad fue modelado a partir de una máscara mortuoria del médico. Cuando estaba vivo, el doctor trabajaba en el campo del tratamiento de las enfermedades de la mente. Entre sus pacientes se encontraban figuras prominentes de la sociedad, como el rey Jorge III. Se cree que su hijo encargó la creación del busto en honor a su padre. Thomas Banks había alcanzado cierta fama gracias a sus esculturas ideales y monumentos funerarios, y el busto del doctor Anthony Addington fue uno de los pocos retratos que esculpió.

La Furia de Athamas de John Flaxman

John Flaxman está considerado como uno de los escultores más destacados de su tiempo. La Furia de Athamas fue un trabajo de amor para el escultor y tardó tres años en completarla. Fue encargada por el cuarto conde de Bristol, Frederick Augustus Hervey e iba a ser creada para su casa de Suffolk, pero corrió otra suerte cuando las tropas napoleónicas se apoderaron de ella mientras iba de camino a Inglaterra. Se dice que fue un trabajo de amor, ya que el trato no fue económicamente bueno para él. La compra del mármol le costó quinientas libras, mientras que a él sólo le pagaron un total de 600 libras.

La escultura estaba basada en la obra del escritor romano Ovidio.

En el relato mítico, un rey llamado Athamas mata a su hijo, un tema bastante trágico y aterrador para una escultura. La escultura representa a Athamas enloquecido por los celos de Hera. Se le representa agarrando a Nearco, su hijo, justo antes de arrojarlo a la muerte. Se ve a Ino, la segunda esposa de Athamas, intentando intervenir abalanzándose sobre el rey loco. Esta escultura colectiva estaba montada sobre un pedestal de madera pintada de blanco.

El mecenas de la escultura se había interesado inicialmente por una obra anterior de Flaxman, que era un bajorrelieve de Zethus y Amphion, esculpido en terracota. Su idea era encargar una versión en mármol de la escultura. Sin embargo, Flaxman logró convencer al conde de que aceptara un grupo.

Hebe de Antonio Canova

Antonio Canova nació en Venecia en 1757 y su carrera artística comenzó muy pronto. De niño le enseñaron a esculpir y pintar, y con sólo trece años se convirtió en alumno de Giuseppe Torretto. Tres años más tarde, con sólo dieciséis años, empezó a recibir sus primeros encargos. Sus mecenas en esta época eran en su mayoría senadores de la República de Venecia. Durante la ocupación napoleónica, muchas obras de arte fueron devueltas a Francia y él fue nombrado supervisor de la tarea.

Una de sus esculturas neoclásicas más famosas es la bellísima estatua de la Hebe, realizada en 1796. En este bello ejemplo de escultura neoclásica, se puede ver a Hebe bajando con gracia del cielo, portando su copa, símbolo de la diosa de la juventud. Su gesto femenino representa la encarnación de su espíritu generoso, al verter la copa que contiene el elixir de la juventud.

Su cuerpo, elegantemente fluido, ha sido esculpido en mármol, lo que resalta y realza el metal del que están hechos los recipientes.

La ropa de su cuerpo está creada para que parezca que está revelando lo que se pretendía ocultar, las prendas envuelven sus piernas, acentuando su forma en el proceso. La obra del escultor fue creada hacia los últimos años de una tradición en la que se apreciaba y valoraba más la apariencia estética del conjunto que la ejecución eficaz de los elementos individuales. También era todavía un periodo en el que los escultores podían representar nociones elementales no plásticas, como la brisa que se insinúa a través del movimiento aludido de la tela.

Estatua de Aquiles de Richard Westmacott

Richard Westmacott comenzó su carrera artística estudiando con su padre en Londres. En 1793 se trasladó a Roma para seguir estudiando con el escultor neoclásico italiano Antonio Canova. Allí se dedicó a estudiar la escultura clásica y su obra reflejó a lo largo de su vida su preferencia personal por la temática pagana en lugar de la cristiana dominante en la época. Ese mismo año ganó un concurso convocado por la Academia Florentina de las Artes.

Su escultura, la Estatua de Aquiles, representa al héroe mitológico griego de la Guerra de Troya. El rey Jorge III ordenó su construcción para conmemorar a Arthur Wellesley, político y soldado, así como al primer duque de Wellington. La estatua de 18 pies fue inaugurada el 18 de junio de 1822.

La escultura fue la primera que se expuso en Hyde Park y está situada cerca de la Puerta de la Reina Isabel. Fue encargada por las Damas de Inglaterra, una sociedad de clase alta de patriotas ingleses.

El escultor Richard Westmacott utilizó 33 toneladas de bronce para realizar la escultura, que obtuvo de cañones que habían sido capturados durante las campañas francesas dirigidas por Wellington. La cabeza de la estatua está modelada a imagen y semejanza del Duque y se dice que el cuerpo está basado en una figura romana situada en Monte Cavallo (Italia). Aunque originalmente la escultura se representaba completamente desnuda, se le añadió una hoja de parra debido a la indignación pública poco después de su inauguración.

Jasón con el Vellocino de Oro de Bertel Thorvaldsen

Bertel Thorvaldsen fue un escultor nacido en Copenhague en 1770. Con sólo once años ya era miembro de la Real Academia Danesa de Arte. En la academia recibió numerosos premios, uno de los cuales era una suma de dinero que le permitiría viajar a Roma, donde podría ampliar su formación. En Roma abriría un gran taller desde el que ganó mucha fama al suministrar obras de arte a sus mecenas de toda Europa.

Thorvaldsen creó por primera vez una versión de tamaño natural de Jasón con el vellocino de oro en 1803, esculpida en arcilla. La versión en mármol, de 242 cm de altura, no se terminó hasta 1828.

La estatua representa al personaje mitológico de Jasón de los Argonautas, que fue enviado a buscar el Vellocino de Oro. El modelo inicial de arcilla fue creado para la Academia de Copenhague como una presentación para demostrar su progreso como escultor. Un rico mecenas inglés, Thomas Hope, le encargaría posteriormente una versión en mármol.

Temática

Esta escultura sería un gran factor que ayudaría a Thorvaldsen a abrirse paso como artista. Se cree que está inspirada temáticamente en los dibujos de Asmus Jacob Carstens, pero la figura en sí se inspira mucho en otras esculturas clásicas como Doryphoros y Apolo Belvedere. La elección del tema por parte del escultor fue el resultado de su creciente conocimiento de las culturas y la historia antiguas debido a la influencia de Jorgen Zoëga, arqueólogo y científico danés. La escultura es muy admirada por sus líneas rítmicas, intensas y afiladas. Se incorporó al canon cultural danés a principios de la década de 2000.

Hoy sabemos que las esculturas neoclásicas empezaron a surgir en la década de 1750 y fueron un movimiento reaccionario que pretendía librarse de los elementos de diseño más frívolos del estilo rococó y barroco precedente. Las esculturas del Neoclasicismo estaban muy influenciadas por el trabajo de los antiguos griegos y romanos. Los avances en el campo de la arqueología y descubrieron magníficas obras de arte de la antigüedad clásica que los arquitectos contemporáneos de la época querían emular.

Preguntas Frecuentes